我们身边的线条儿童画(我们身边的线条儿童画简笔画)
怎样画四年级美术人教版变形的魅力
2.了解黑白画的构成方式。
教学重点：运用点、线、面的组织来处理黑、白、灰的变化效果，画一幅自己喜爱的黑白画教学难点：运用点、线、面疏密组织的技巧，处理黑、白、灰的变化效果。
学 具：彩笔、油画棒教学过程：一、感受黑白画
1．猜谜导入：（谜底：螃蟹）
2.了解螃蟹的形态、特点，激发兴趣。
引导学生欣赏不同美术作品中的螃蟹，重点欣赏装饰画螃蟹，感受其美感。
3.导出课题：我们可以看到这些黑白画的色彩只有黑、白、灰的效果，而这种效果又是运用了变化丰富的点、线、面来组织的，所以看上去显得那么丰富。
你们知道这种独特的黑白色彩的画叫什么名字吗板书课题。
二、了解黑白画
1．出示范画：请大家仔细观察，选择你感兴趣的花纹，找出画面当中黑、白、灰的变化方法。
2.得出结论：点、线、面的疏密变化、排列搭配，形成画面不同的黑白灰效果。
三、探究黑白画
1．探究黑、白、灰的效果：黑、白、灰是黑白画的三大要素，黑、白
四年级下册美术课件-第2课《变形的魅力》｜湘美版共24张PPT
试读结束，如需阅读或下载，请点击购买>原发布者:hearts人寿双子变形的魅力瞧，这是什么
当房子倒映在水中之后，发生了什么样的变化
玻璃幕墙里建筑物的变形图•简单说一说，生活中你还见过哪些变形现象
特定情况下人像的变形-想一想，什么情况下会变成右图的样子
根据变形的效果，哈哈镜可分为•波纹型哈哈镜•枕型哈哈镜•桶型哈哈镜波波纹纹形形哈哈哈哈镜镜枕型哈哈镜桶型哈哈镜波纹型哈哈镜枕型哈哈镜身体各部位大小不变，头大脚大，腰变细但是外形左右扭曲桶形哈哈镜头小脚小，腰变粗考一考蒙克的这幅画中的人物采用了哪种变形方式
很多著名的艺术家就是善用“变形”的高手，比如达利的这幅名作中就运用了变形的手法。
漫画家常常对人物进行夸张的变形，以便让人物特点更加的突出。
美国总统奥巴马在经过漫画家的“变形”处理后，是不是更有意思了
这节课你认识了什么现象
我们学习了哪几种哈哈镜变形方式
你喜欢哪种哈哈镜，任选一种，在画纸上来体会一下变形的乐趣吧
四围留白太多，构图过小刻画太过简单，没有细节创作要点：1.人物撑满哈哈镜，不留空白2.刻画要充分，画出细节3.大胆夸张变形，别怕出错
在学前儿童美术的独特艺术魅力体现在哪些方面
学前儿童美术教育属于普通艺术教育范畴，是教育者遵循学前教育的总体要求，根据学前儿童身心发展的规律，有目的、有计划地通过美术欣赏和美术创作活动，感染学前儿童，并培养其美术审美能力和美术创作能力，最终促进其人格和谐发展的一种审美教育。
即学前儿童美术教育不是为了培养专业的艺术家，而是适应孩子身心发展需要的、以提高其审美修养和艺术素质的一系列教育活动。
结合幼儿的发展特点和美术教育的特点，学前儿童美术教育一般有以下几个特点。
(1)是满足学前儿童审美情感需要的情感教育，具有强烈的情感色彩。
处于学前期的孩子明显地表现出情感因素在其发展中的重要作用。
他们喜欢想象，往往有惊人之作。
孩子对美术有一种自然的需要，他们喜欢这里画画，那里画画，喜欢做色彩游戏。
幼儿时期，其心理发展的一大特色是以自我为中心，容易将自己的情绪情感投射到物体身上，用身心感悟着我们的世界。
正是儿童的这种特点，使得美术活动成为孩子进行情感沟通和满足的重要途径。
有心的家长不难发现，你的孩子总是喜欢把墙上的裂缝看作一只大怪兽，把天上的星星当作点亮的小灯，把落叶看作树妈妈的宝宝，他们的色彩也在随着情绪的变化而变化。
家长要为孩子创设宽松的心理环境和充满情感色彩的审美环境，让孩子通过美术活动把自己的情感或想法表达出来，并鼓励他们用作品和别人交流，在交流中孩子获得一种来自他人和自我的肯定。
在这个过程中，孩子既在交流情感，又在获得新的情感满足。
(2)是以学前儿童审美创造能力为核心的一种创造教育，强调儿童的创造性。
每个孩子都有创造的潜力。
在学前儿童美术发展过程中，从涂鸦期儿童的乱涂乱画，逐渐画出个什么东西，并给它命名，到象征期儿童为事物象征性地再造一个多半是不完整的、粗略轮廓的形象，再到图式期儿童用画来表达多种概念或凭自己的主观经验重新组合、加工变形的画面等，都显示出孩子独特的创造力。
当然，这种创造力与成人的创造力是不同的。
成人的创造 力是指他创造出有社会价值的产品或思想等的能力，儿童的创造力是指创造出对其个人来说全新的、前所未有的事物的能力。
具体来说，学前儿童美术活动中的创造力是他们利用物质材料及过去的经验并加以重新组合，制作出对其个人来说是新颖的、有价值的美术作品的能力。
需要注意的是，儿童的创造力是基于对儿童自身的个人价值，不能用成人的标准衡量，成人要有发现的意识和眼光。
儿童的创造性不仅在作品中反映出来，还从其制作的过程中显示出来。
在孩子的美术作品中，成人有关美术创作的许多条条框框被打破，出现一些在成人看来既可笑又非常可爱的现象，如不合逻辑的构思、不合比例的造型、主观想象的色彩、随意安排的空间构图等。
这些超常规的、独特的表现，蕴涵着孩子天然存在着的大胆想象和神奇的创造。
孩子创作美术作品的过程是一个极具个人色彩的过程，由富有个人情感色彩的感知、审美加工和创作性表达组成。
家长正是要保护孩子的这种创造性，既要有发现孩子创造的眼光，又要有积极的鼓励行为。
(3)是培养学前儿童手、眼、脑协调活动的操作教育。
学前儿童美术教育还应当重视儿童的操作。
操作教育是学前儿童美术教育的重要组成部分，同时，孩子正是在操作中亲身体验某种情感的发展，体验美术活动自身的乐趣，进一步获得审美感知和审美创作。
学前儿童的美术活动包括心理操作和实际操作两个方面。
在这个过程中，孩子的手、眼、脑并用。
用多种感官感知审美对象，用脑去想象、理解、加工审美意象，用语言去交流自己的审美感受，用手去操作美术工具和材料来表现自己的情感和想法。
操作教育一定要依据孩子的身心发展水平和需要进行。
小学生表达对美术作品感受与理解的的方式有哪些
美术课程的总目标其中指出：让学生掌握欣赏与评述的方法，了解基本美术语言的表达方式和方法，形成基本的美术素养，陶冶情操，完善人格。
并把“欣赏·评述”列为美术四个学习领域之一。
可见它的重要性。
而要陶冶情操，完善人格，实现情感态度与价值观，掌握欣赏与评述的方法，了解基本的美术语言，形成基本的美术素养，则必须通过欣赏、评价优秀的美术作品来完成。
欣赏，作为美术学习活动的四个领域之一，无论是以美术欣赏教学的形式出现，还是作为美术教学过程中的一个基本环节。
它贯穿于美术教学的始终，也是众多的美术教师在教学过程中难以把握的一个问题。
我们往往在欣赏的过程中，不知如何去欣赏评价、审视艺术作品，甚至不知如何去指导教学。
因为，它需要教师具有较高的艺术修养和文化底蕴。
尤其是，当学生作品展示时，教师如何去引导学生欣赏、评价其作品，就此，本人围绕教学谈谈自己的一点看法。
首先我们有必要了解一下什么是欣赏、评价。
然后，再去谈如何去引导学生欣赏、评价其作品。
1、欣赏：
欣赏，从文学艺术的角度来说，本意就是享受美好的事物，领略其中的趣味。
它是欣赏者对客观纯在的美的一种主观感受。
是审美主体对客观事物的美的属性的一种认识与反映及对美所作出的一种评定和判断。
无论是自然美、社会美、还是工艺美，都是欣赏者对客观事物的“美”进行感受、体验、领悟，从而获得由浅入深、情景交融的审美把握，并引起感情上的激动、满足和精神上的享受。
欣赏，在其过程当中，欣赏者首先是采取肯定和赞赏的态度去面对艺术作品的。
对作品的部分东西很少做出评价。
如：有人说，我很欣赏西方现代派美术。
这就意味着，他对西方现代派美术的充分肯定与赞赏。
就象我们现实生活中，有人说，我很欣赏你的为人，我很欣赏你的服饰，我很欣赏你的气质，我很欣赏这种色彩等等。
都是认为好、持有喜欢、肯定的态度的去欣赏。
2、评价：
评价：就是评定某种事物“价值”的高低。
从文学艺术的角度来说，就是指评价者从一定的立场和观点出发，对艺术作品和艺术家的成就得失、是非功过作出判断和评定。
是指对作品的特点、质量、意义等等做出全面的评价，具有鉴赏的意思。
也叫艺术批评、艺术评论。
比如，我们要评价一下西方现代派美术，首先，就意味着我们对这一流派持有不肯定和不赞赏的态度。
只有通过对这一流派的艺术主张，及其对作品中所体现的思想内容、艺术技巧等方面，进行认真、全面、细致的分析、研究与鉴赏后，才能下结论。
才能决定对这一流派的美术作品是采取肯定、赞赏，还是采取分析、批判，甚至否定的态度。
只有分析了解后，才能作出正确的评定。
它与欣赏有情绪、观点上的区别。
因为，任何一件艺术作品，都是由形式和内容两部分构成的，它是内容和形式的完美统一。
所以，评价作品的标准就有两个。
一个是艺术的（专业的、形式的），一个是思想内容（内在的、主题思想）。
因此，可以说，欣赏是评价的基础，评价是通过欣赏的过程来实现的。
评价可以促进欣赏。
二者既有区别，又有联系，和谐统一。
一、那么，如何欣赏美术作品
我们知道，任何一件美术作品，它都是形式和内容的完美统一。
因此，我们要欣赏一件作品，首先就得从形式和内容上去欣赏。
而当我们面对一件作品，首先映入我们视觉感官上的可以直接感知到的就是作品形式上的美。
因此，我们在欣赏作品时，应该先欣赏作品的形式美，然后再去欣赏作品的内容美。
1、作品形式：
我们知道，任何一件美术作品的内容，都必须通过一定的组织结构和表现手段（用某种语言来说话）表现出来，才能成为可供欣赏的具体的艺术作品。
因此，用来表现作品内容的组织结构与表现手段的总和，就是作品的形式。
结构和语言便成了作品形式的基本要素。
（1）结构：
“结构”，是指作品的内部构造。
它是指作者按照主题思想的要求，来经营创作所用的生活资料。
换句话说，它是指作者在从事创作的过程中所设计的一个蓝图。
即创作前的构思。
你要画什么，怎么画，采用什么形式，利用什么方法、手段。
为什么这样画，这么画，表达自己怎样的思想情感，想通过作品歌颂什么
鞭挞什么
包括造型、布局和设想等等。
而结构的基本环节是剪裁和布局。
剪裁，是构成形象和意境的第一个环节。
如，画梅花：“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝”。
即删繁取简，熔炼精华。
布局，即构图，“经营位置”（大家都知道，这里我们就不谈了）。
所以说，结构，是表现作品主题思想的一个重要的手段和因素，作者只有通过好的结构，把一系列的生活资料和体验以及感受和想法等，合理的布局，才能充分的表现主题思想。
如绘画，它的结构，就是通过优美的线条，生动准确的造型，丰富的色彩，奇异的材料，巧妙的构思和新颖别致的构图等构成的表现形式，来表达作者的美好创意。
（2）语言：
“语言”，新课标要求—让学生掌握基础的“美术语言”。
强调了“语言”在美术学科的重要性。
我们要用美术语言，通过作品来传达观念和情感。
所以语言非常的重要。
美术语言”：
就是指造型艺术中最基本的构成因素。
如点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材质、肌理等。
以及将这些造型元素组合成一件完整的作品的基本原理。
如多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。
也可以说，美术语言它是一种不同于文学语言符号的特殊语言。
它是视觉符号。
它具有一定的象征性。
例如，文学作品中的语言，一个字，一个词都是一个记号。
它们有着各自相对独立的意义。
如鸟、语、花、香，每个字都是一个符号，每个字都有它独立的意义。
如果再把它们按语法的关系将它们组合起来—“鸟语花香”一词，则更具有现实主义了。
而孤立的美术语言：如线条、明暗、色彩等，它们各自独立都不代表任何主义，只有当它们按照造型的法则去构造一种全新的创造物的时候，也就是说，只有把它们结合到一个整体的新的形象之中去，它们才有表现某种主义的作用。
比如：有几个孤立的符号“○”（圆)“（”弧，“└”折线。
它们各自独立时没有任何主义，当将它们组合成新的形象“苹果”时，则具有了实在主义了。
（再如几个四边形构成一个房子等）
由此可以看出，“语言”，它在文艺作品中，具有一定的生动性和形象性。
这种视觉语言或视觉符号，也具有一定的象征意义和艺术内涵。
如绘画，它主要是用线条和色彩作为物质手段来表现空间事物的。
其中“线条”（语言），它具有寄托和浓缩情感意识的无限空间。
它是表现物质世界和情感世界的一种最完美的语言和手段，尤其是意笔线条，更具有无穷的包容量。
线条的横竖、曲斜、刚柔、长短、疏密、方圆、粗细、波磔、轻重、阴阳、虚实、明暗、浓淡、动静、滑涩等等。
线条的随机变换，审势赋形，含情达意，可以表现宇宙空间之万物。
例如：卫夫人在《笔阵图》中从书法艺术的角度论述：“横如千里阵云，竖如万岁枯藤”。
也就是说，一根横划，它所描绘的意会，可以让人联想到千里之遥的风云变幻，气势宏伟。
一竖之中，可以表达出漫长的岁月和苍老的容颜，道出了人生历程的雪雨风霜和酸甜苦辣。
此时，线条已充满了生命的活力，给人以智慧和启迪。
“戈如百钧怒发”、“撇如陆断犀象”、“捺如崩浪雷奔”、“折如劲弩筋节”。
可见，这种线条的转折变化，既有它的力量感和重量感，而且运动、情态、气势、刚柔等都能充分的体现出来。
这种线条是何等的表现力和想象力。
这里，线条已富有旺盛的生命力。
如：横线的变幻，竖线的高矗，曲线的蠕动，斜线的滑坡，细线的瘦弱，折线的刚硬，圆线的丰满，短线的跳动，转线的回环，方线的力度，粗线的健壮，涩线的苍老等等，这些线条，它都有一定的抽象内涵显示出来，具有一定的象征性，这也正是我国五千年意象内涵深处的一种独特的思维活动和独有的线意识的神妙之处。
（也是所谓的线条语言）
那么色彩也有它的象征性语言：
如红色（暖色），能给人以热烈奔放，令人振奋及温和的感受，它象征热情、喜庆、幸福、吉祥、浪漫。
蓝色（冷色），则传递一种忧郁和悲哀的情绪。
给人以清凉寒冷的感觉，又有忠诚、安全、宁静的感觉（蓝天白云、碧海蓝天、月光蓝天等）。
因为它是天空的色彩，所以它象征和平、安静、纯洁、理智。
另一方面，它又有消极、冷淡、保守的意味。
黄色（暖色），具有快乐、希望、智慧和轻快的个性，给人以生命力，具有朝气，因为它是阳光的色彩，所以它象征着光明、希望、高贵、愉快。
但是，浅黄表示柔弱，灰黄表示病态。
绿色：中性色，它自然、稳定、成长、忌妒。
因为它是植物色彩，所以它象征平静与安全、自然、希望、生命和环保。
等等，这里我就不一一的说了。
可以说，“色彩”（语言），它也可以传达人的思想和情感。
不同的色彩及其完美组合，会使人感受到色彩那奇异的奥妙和迷人的旋律。
或明快与忧郁，或兴奋与平静。
不同色彩给人以不同的感觉和它的象征意义。
面对丰富多彩的世界，画者通过对不同色彩的感受，把自己的情感和富有诗意的想象力、创造力，一起融入自己的绘画创作当中，使色彩与画者的情感交融在一起，放射出奇异的光彩。
谈到关于色彩的情感表现，我们不得不提起一个人，那就是荷兰画家凡高，凡高，他是被誉为人类给画使上最富典型的运用全部生命来倾注色彩感情的本质的画家。
他以一种扭曲、旋转和极富运动笔触、在画面上堆积厚重而放大的色彩，每一笔触的排列，都在抒发他那内心的强烈。
明确的显示了色彩自身的情感力量。
给人留下了难以磨灭的生命情感印象。
因此可以说，一切文艺作品的语言，它都包含着作者的情感。
没有情感，作品就不能打动人，也就不能引起读者在感情上的激动。
再如，罗中立的油画《父亲》，虽然整个作品是现实主义的，但是，为了达到细节的真实性，作者采用了这种极度写实的油画造形语言，活生生地再现了那个时代，我国农村千千万万个“父亲”的典型形象。
他那黝黑的皮肤、纵横深刻的皱纹、由于干渴而微启的嘴唇里仅存的几颗牙齿、额头上到处沁出的点滴汗珠、老树皮似的手和由于长期磨损而变形、变了色的指甲、受伤的手指、粗瓷劣质的大碗和对襟布褂、以及从头顶直射下来的正午强光…这些精细入微的色彩造型语言，所“倾诉”的内容，是无比丰富的。
它们不仅“说”出了我们农民“父亲”几十年来的生活和目前状况，也强烈地抒发着作者内心的呼声，一定要加速现代化的步伐，要改善人民生活…这其中的深沉的思绪和复杂的感情，决不是文字语言所能穷尽的。
以上，我们对美术作品的形式（结构、语言）有了初步的了解，那作品的内容又是什么呢
2、作品内容：
就文学艺术而言，既然艺术作品是社会生活在艺术家头脑中反映的产物，那么，艺术作品，它就必然包含着艺术家对社会生活观点和艺术家本身的思想感情两个方面的因素。
也就是说，它一方面反映的是客观现实生活的某种因素，另一方面，它也反映了艺术家对他所反映的现实生活的独特感受、感动、理解、评价、和理想，甚至幻想等主观的因素。
因此，艺术作品是主、客观因素结合的产物。
这样，题材和主题便是构成艺术作品内容的基本因素。
所以，内容，它是事物内在的各种要素的总和。
（1）题材：
题材，是作者在观察生活中所选择出来的，并通过加工、提炼后，用来表达作者主题思想的生活材料。
一般来说是指作品里所描绘的人物、事物和环境等等。
比如，我要画鹰，我们首先就得收集、了解有关鹰的各个方面的知识和资料。
如鹰的种类、形态、结构、色彩、生活习性、生存环境，以及人与鹰—人与动物—人与自然的关系等人文精神。
然后再决定去表现它，经过意念加工，从鹰的动态、神情和气质等方面去设计与刻画它，这样，才能创作出物与我合的感人作品来。
（再如：画花鸟、人物、山水等等。
（2）主题：
主题，又叫主题思想或中心思想。
它是作品的全部思想，是作品的灵魂。
是作者在生活实践中根据自己对生活的感受和认识，通过对题材的确定、加工、提炼而表现出来的。
（所有的形式、方法、手段等都是为了突出表现主题而服务的。
这里我们提到的作品的“主题”和作品的“标题“是不一样的。
尽管有些作品的标题近似主题，但仍不是主题。
如一幅以画“鹰”为题材的作品，其标题为《雄风》，若从标题上看，要表现这一标题的题材很多，可以画马、虎、狮子、公鸡等等，而作者取材“鹰”，选择“雄风”这一标题，其作者是想通过作品《雄风》来表达自己对鹰的认识与感受，使人看到它，便可以领略到雄鹰那种雄浑博大之气概，壮志凌云之胸怀，神勇无谓之气度，叱咤风云、搏击海天之风采。
从而给人以震撼，给人以激励和无形的力量。
也是作者通过作品所要传达的真挚情感。
这才真正是作品的主题。
从而使我们真正的
小学美术试讲万能稿
要太着急、刚开始第一次都是这样的，不要紧张，放松点就会发挥好，这点很重要，不过面试试讲有两种；一种是有学生参与的课堂，如果让你讲一节课那你讲的时间在十五分钟左右，学生练习的时间在二十分钟，最后总结展示有三五分钟就行了，第二种是没有学生参与的模拟课堂，这在南方现在面试用的比较多，就是十五分钟左右，没有学生．也不是说课．和上课一样，只是每个环节都不能少，只是一个人连问世带答就是了．
上课的时候尽量让自己放松，不要紧张，准备要充分，自然些、大方地讲、语言组织要简洁、通俗易懂、另外、可以准备点小游戏、脑筋急转弯等活路一下课堂气氛、也可以让自己放松些，学生的兴趣也起来了，和你配合就会很好，上起来就好多了
各位评委老师好，今天我要说课的题目是《》
下面我将从 教材分析、教学目标、教学重点和难点、教学方法、学法、教学过程等几个方面对这堂课的教学设计进行讲述。
一、教材分析：这是一节，它在课程上起到了承上启下的作用，是对以前课程的延伸，也是对以后课程的提高。
因为这都是对材料的认识与理解、并体验美术活动的乐趣的课程，意在为学生打开一片探索和创作的天地，本课以大量的 为主线、辅以生动的讲解，使学生从应用与审美双重功能中，感受美术的社会价值，从而进一步提高进行审美创造的愿望。
二、根据我对教材的理解，制定了如下的教学目标：
1、知识与技能目标：提高物以致用、审美、创新的能力，引导学生关注生活中的设计。
2、过程与方法目标：通过 让学生在解决问题中学会思考，学会交流，学会合作。
3、情感态度与价值目标：通过 的学习，培养了
三、根据教学目标，教学的重难点我定为一下内容：
1、教学重点：掌握，学习
2、教学难点：通过学习 掌握了
四、教学方法：在教学中，为了更好地突出重点、突破难点，体现课程设计注重人文关怀，侧重学生的体验过程，我主要采用“启发，引导”法，利用多媒体，教具，挂图，实物的展示让学生感受的魅力。
并不断的采用欣赏，启迪，讨论，展示交流相结合的教育方法，并注重个别差异，因人施教。
激发学生的学习欲望。
五、学法指导：我遵循“教为主导，学为主体”的教学思想，通过情景创设，引导学生主动探究，体验学习的过程，培养自主学习主动探究的意识；通过评价激励，引导学生积极互动，体会创作的快乐，发展学生的想象力、提高学生的创造力。
六、根据以上内容我制定了如下的教学过程：
导课：
新授：1、创设情景，导入新课。
2、授课结束，布置作业要求，教师指导，学生制作，
作业展评：我将采取自评与互评相结合的手法，鼓励同学们大胆的把自己的做平拿到讲台上来展示，
然后让作者自己说一下自己的构思想法，自评结束后请其他的同学互评说一下你最喜欢的是哪幅作品，并说出你的理由，并加以评价。
最后教师评价总结，因为每个学生创作设计的都是独特的，我们应该对每个学生抱以热切积极的期望，并从各个角度评价观察和接纳学生，发现学生身上的闪光点，发现和发展学生的潜能与长处。
课堂的总结：通过本课的学习 拓展，延伸，根据新课标的指出教材不是我们唯一教学的资源，课堂不是唯一获取知识的渠道，因此在这一环节让学生拓展知识面，为下节课做好准备。
我的说课结束，谢谢各位老师
如何在美术课培养学生的核心素养
一、在e79fa5e98193e59b9ee7ad9431333365643662美术教育过程中，尽可能地保护学生的自尊心
1、利用美术的学科特性，与学生从心底里坦诚地沟通情感，尊重学生不同的情感表达。
2、结合美术科特点，发挥其特殊优势，发展学生的智力，尊重学生之间存在的个性差异。
二、通过美术教育，树立学生的自信心
1、在教学中以表扬、鼓励为主，及时肯定学生的成绩。
2、教学的内容多选择孩子们熟悉或喜欢的，特别要注意形式和方法应适合孩子们各阶段的智力发展和能力表现，避免孩子觉得太难，没有信心。
3、举办各种类型的展览，让学生们互相交流、评论作品，大胆发表自己的观点。
三、通过美术教育，训练孩子的自控能力
1、从实际出发，培养孩子在做事时始终保持兴趣和耐心，逐步增强自控能力。
2、从理想出发，树立孩子们心目中的榜样，学会排除困难，持之以恒，使自控能力得到充分的发挥。
综上所述，把健康心理发展的教育有机的结合到具体学科中去，不仅能有效地提高该学科的教育效果，更重要的是全面提高学生素质，其深远意义往往是远远超越该学科自身价值。
我要强调的一个基本观点是：教书的目的本来就是育人。
儿童画基础技巧练习—线的练习
1、基础技巧练习—线的练习
线是线描画最基本的造型语言，线条练习是线描画的基础。
对初学者来说，画线能力的获得确需严谨的训练过程，基本线条练习必需下大功夫。
初学者在进行线条练习时可能会画得歪歪扭扭、不太工整，而线描画是最讲究线条的整齐工整，每一条线的衔接都要到位。
2、分类练习
少年儿童的表现欲望时极其强烈的，在他们眼里，缤纷的世界是那么美好，大自然是那么的丰富多彩。
一花一景，一人一物都是儿童描绘的对象。
在进行分类练习时注意与写生结合起来，通过自己的实际观察，抓住物体的外形特征，多积累感性认识，在不违背现实生活真实性的前提下，适当进行夸张、变形。
3、组合构图练习
一步步在前两步的训练下，学生能够简单的在物体上面发挥想象力添加简单的纹样，简单的线条也慢慢流畅了，再此基础上，我让学生把一个个的物体组合在一起，形成一幅完整的线描画
在与学生一步步学习线描画的时候，在黑白的世界里我们尽情的遨游，慢慢的我也总结出了一点画线描画的经验：
1、多观察
线描画可以表现我们现实生活中的人事物，灵活性比较大这就要求学生多观察、多积累感性认识，这样在作画时就会下笔如有神。
2、多练习
因为线描画讲究画面疏密有致、线条整齐，一切内容的基本元素都有线条，并且多是各种线条的平行组合，只有多练习才能达到熟能生巧的地步。
3、多想象
同样是树干，可以有不同的形状，而填充树干时可以有不同图案、线条组合、黑白处理，这就要求学画者多动脑、多想象，充分发挥自己的个性、创造性，这是一种乐趣无穷的练习。
4、有耐心
一幅儿童线描画，可能会有成千上万的线条，一笔一画，都要细致勾勒，这就要求学生有高度的耐心和毅力坚持下去，相信不仅画技会不断提高，学生的耐心和毅力也会增强。
让学生比较轻松、愉快地进行美术活动，培养学生的学习兴趣，使学生掌握一定的绘画技能和基础知识。
同时增强学生对周围事物的感知和表达能力，提高审美意识，是每一位美术教育者的使命与责任
试对一件艺术品作艺术学与美学不同的分析
在现代世界中，严肃的艺术与通俗艺术甚至是日常生活本身的界线正在逐渐消失。
在传统社会中，艺术与实用品、高雅艺术与通俗艺术之间有着本质差别，它们由艺术本身深奥的哲学内涵、高级的审美趣味以及不同寻常的艺术技巧共同构成。
但到了艺术的现代主义时期，严肃的艺术与通俗艺术、甚至是日常生活本身的区别越来越不明显。
如在现代艺术展览中，有的陈列品就是一堆沙子上面摆放一些花生壳，有的则是把一些废铜烂铁焊在一起。
一位著名的艺术家把自己的小便壶拿上展厅也就成为了艺术品；一位音乐家“4分33秒”的沉默也可以成为一种演奏；一位画家把自身涂上油彩、沾满羽毛站在展览厅也就成为人体艺术品。
有时没有艺术作品甚至也可以开办艺术展，欧洲新达达派代表人物伊夫·克莱因，1958年就开了一个“空虚”展览会，其内容是全涂成白色的画廊，门口设立警卫而器具却搬得精光。
结果是成千上万的参观者前来预展，人多得几乎引发骚乱。
更有甚者，毁灭艺术也可以成为一种艺术，1986年11月中国的“厦门达达”就举行了著名的“焚烧作品展在厦门举行”艺术活动，艺术家们在一个用画的圆圈内，将所有的参展艺术品付之一炬。
圆圈外则立着一块牌子，上面写到“达达展在此结束”。
这些十分奇特的现代艺术现象，很难从传统艺术的定义与语境来分析或归纳。
一方面，并非所有的通俗艺术与日常行为都可以成为艺术，另一方面，当然许多现代艺术家的实验艺术又的确产生了传统艺术那种惊人的艺术效果。
所以区别严肃的艺术与通俗艺术，最好的做法是抛开传统的艺术分类原则，从其是否具有审美内涵来进行。
从艺术感觉的角度看，通俗艺术只与人的生理感觉发生联系，并作为人的本能欲望的表现媒介而存在，如病态、邋遢、怪异、粗劣、黏腻，以及公开的或者隐蔽的性感的“仿克艺术”(Funk art)。
而严肃的艺术则超越了这种感觉与欲望的生理性，成为一种人的审美本质力量的感性证明。
如当我们面对一幅人体油画时，基本上可以有两种感觉，一种是直接以生理欲望投射对象的生理性人体结构发生联系；另一种则是通过审美变形超越直接的感官冲动，从中体验到一种对生命本身的爱与欣赏。
这可以达达主义艺术家杜桑著名的《泉》和古典主义画家安格尔的同名画作相比较，在杜桑的《泉》中，艺术作品是一个签了名的尿斗，给人的感觉是一种生理上的不适感，但在安格尔的《泉》中，给人的感觉是一种美的升华。
从审美对象的角度看，严肃的艺术都是对于对象世界创造性活动所产生的东西，它是一种克服了对象自然本性的能够唤起主体自由感与走向感觉解放的审美幻象，这种具有审美外观的严肃的艺术，当然不同于只有一种实用性价值的生活用品。
也可以说，虽然严肃的艺术与通俗艺术都是人类劳动、制作的产品，但是产品本身的结构却大不一样。
严肃的艺术是一种生命有机体，它具有和生命本身同样的尊严与地位。
而通俗艺术则是一种机械装置，它是对于人的某种实用目的的机械再现，服务于人的生理感觉的工具。
这里可以艺术杰作与二流作品比较来说明。
艺术杰作都是审美变形的产物，它是对于现实对象的加工改造之产品，正如鲁道夫·阿恩海姆指出：“诗人并非不加区别地引用具体细节，而是强调那些对他说来能使主题获得艺术想象力的个别特征。
由于它充满活力的具象性，因而把杰作与二流作品粗陋的枯燥无味特性相区别。
二流作品不足以超越它所呈现的特定状态，而杰作则涵盖了从感官知觉到经过提炼的思想这一人类经验的整个范围。
(胡经之等主编：《西方二十世纪文论选》第一卷，中国社会科学出版社1989年版，第246页。
在这个意义上，一件艺术品，它与自身的物质材料与实用目的距离越远，也就愈具备一种真正艺术品的内涵。
如在中国曾经出现过一个非常有名的行为艺术，在这个行为艺术中表演者要杀死一头牛，掏出内脏，然后赤身在牛肚中呆上10分钟—这样的行为不管它要表达的艺术理念有多深刻，它以刺激人的生理感官为目的的实用性特征是抹杀不掉的，这与严肃的艺术构成了极大的不同。
从艺术消费的角度看，艺术本质作为一种审美幻象形态，它与一般的生活消费品有着很大的不同。
一般生活品都是一次性的，不管它多么经久耐用，它总是不断地丧失其固有的使用价值，直到它彻底被耗尽。
而艺术作品则与此不同，它是那种有生命的、具有永恒魅力的东西。
从这个意义上讲，严肃的艺术与通俗艺术的区别在于，后者本质上更近似于一种生活消费品。
然而通俗艺术作为一种精神消费品，它对于严肃的艺术与人类精神的健康发展却产生了许多负面影响。
严肃的艺术的消费对象是审美幻象本身，对于审美幻象消费得越多，人的审美本质力量也就获得更高程度的满足，是丰富与提高人性的重要精神实践活动。
而通俗艺术则往往通过反文化、反理性的方式来消费人性本身，在这个过程中，人们对于纯粹娱乐性的通俗艺术消费得越多，人自身的文化异化也就更加严重，人性也就越加苍白而人生的价值内涵也就愈加贫乏。
因此对于通俗艺术的危害性予以批判性审视，也就成为当代艺术文化批评一个重要课题。
从价值形态角度讲，严肃的艺术与通俗艺术的区别在于，前者是一种具有永恒艺术魅力因而可以反复消费的东西；而后者则是一种一次性的“用过就扔”的东西。
这也是因为对于严肃的艺术的消费活动，同样是存在着一种审美变形过程，它的每一次变形，实际上也都具有一种再生产的增值意义。
也可以说，严肃的艺术的消费结构具有两个层次，它们就如同读者反映批评理论所说的艺术魅力恰恰是在消费活动中才产生和得到证明。
而通俗艺术作为一种商业文化用品，它只有一种本文(Art-effect)结构。
例如当代的各种流行文化，著名的波普艺术家汉密尔顿在1957年这样表达通俗艺术的品质：“通俗、短暂、消费得起、风趣、性感、噱头、迷人。
还必须是廉价的，能大批量生产的，年轻的而又能挣大钱的。
([英]爱德华·卢西·史密斯著：《1945年以后的现代视觉艺术》，陈麦译，上海人民美术出版社1988年版，第114页。
“永恒的魅力”根源于消费活动中积极的审美想象力，由于这种想象力只同对象的形式结构发生联系，所以它不会因为功利性内容而丧失消费欲望与热情。
而“用过就扔”的消费方式，则是消费主体通过对象的功利结构来消费主体自身过剩的生理望，所以一旦这种主体的生理欲望得到宣泄，艺术作品本身所具有的“消费”价值也势必荡然无存。
以1998年轰动世界的电影《泰坦尼克号》为例，它正是依靠凭借雄厚财力和高技术工具所重建的视觉真实，以及巨额广告宣传来激起观众的充满功利性的消费欲望的。
而一旦这种根源于“物”的“人的感觉”与“欲望”得到宣泄与满足，它也就必然成为一种类似吃剩的饭菜一样，所以其来也迅速，其去也仓促，所以要不了多久，这条曾经不可一世地在世界各地登陆的巨船，也就被彻底遗弃在记忆的海底。
这也正是人们与传统的经典艺术相对应，把当代艺术称为快餐艺术的根源，它只能暂时满足人们的生理，而不可能满足人们真正的精神需要。
正如阿尔多诺对于当代大众文化的批评：“文化工业通过不断地向消费者许愿来欺骗消费者。
它不断地改变享乐的活动和装潢，但这种许诺并没有得到实际的兑现，仅仅是让顾客画饼充饥而已。
([德]阿多尔诺著：《启蒙的辩证法》英文版，伦敦1979年，第120页。
以工业复制与现代传播技术为物质手段的大众文化艺术，在20世纪60年代以来正在以不可遏制的势头成为一种全球化的文化景观，各种文化形象、照片、摄影、电视、电影，以及它们像商品生产一样的复制和大规模的生产，使当今世界已被各种文化幻象所包围，它们遮蔽了现实事物与艺术作品本身的真实性，导致了社会和世界的非真实化，并且在当代社会中形成一个强大的物化机制，深刻影响了人类的生活方式与审美方式。
对大众艺术文化必须要有清醒的认识，它作为20世纪人们解决现代技术文明弊端的精神方式，虽然可以帮助当代人摆脱人性而进行的席勒式的斗争；但由于它本身一方面以生理宣泄破坏了主体的艺术感觉，另一方面它借助现代传播技术又成为一种控制人自身精神生产的工具，所以它决不是真正的艺术以及人类的心灵解放方式。
大众文化艺术对于人类自身的负面影响已经被许多西方学者注意到了，就大众文化艺术对于主体艺术感觉的影响角度说，它表现在艺术消费的新闻化与商业化，它否定了人类个体在审美活动中的主体性，这时艺术消费也就必然成为一种剥夺人自身、异化人自身的工具。
正如托夫勒所指出的：“在这些大规模的传播媒介工具中，从报纸到广播、电影、电视，我们再一次发现了工场基本原则的体现。
所有这些传播媒介工具，打上了完全相同印记的信息，传遍了千百万人的脑际，正如同工场铸造相同规格的产品，销售给千百万个家庭去使用一样。
大规模制造出来的标准化的‘事实’，标准化的副本，大规模制造出来的成品，通过几个集中的‘思想工场’加工，源源不断地流向千百万消费者。
没有这样广泛强大的情报信息通信系统，工业文明不可能具有今天这样的规模和发挥如此有效的功能。
([美]托夫勒著：《第三次浪潮》，朱志炎译，三联书店1988年版，第88页。
而且一旦这种精神工场取代了艺术生产与消费的个体性与审美创造性，它必然会按照某种观念形态来制造人本身，正如白瑞德所说：“机器不再只能制作物质产品，它也能制造心智。
数以百万计的人靠着千篇一律的大众艺术—这是危害最大的抽象形式—为生，于是他们把握任何人类实在的能力，都在迅速消失。
如果在寂寞大众当中，偶然有张面孔闪烁着人性的光辉，它会很快又因为电视荧光屏的催眠而消失。
([美]白瑞德著：《非理性的人》，彭镜禧译，黑龙江教育出版社1988年版，第271页。
借助现代化的传播技术，当代大众文化已经控制了艺术文化生产与消费本身，所以如何回应当代这种文化艺术活动所带来的挑战，提升通俗艺术的文化品位与审美内涵，也就成为当代艺术发展中的一个首要问题。
一些艺术的代表人物和主要风格
古典主义
Le Classieisme
17世纪和18世纪前半期流行于欧洲君主专制时期的一种文艺思潮或文艺流派。
它的代表人物在创作实践和文艺理论上，把古希腊罗马时代的文艺视为必须仿效的崇高典范，从中吸取题材、情节、形象和创作经验，并赋予它们新的历史内容。
古典主义一词由此而得名。
法国是欧洲古典主义文艺的中心。
从17世纪初起，法国诗人马莱伯等为反对一切方言与俚语，确立法国古典主义文学语言的规 范做了大量工作。
诗人梅莱在悲剧《索福尼斯贝》中，最早实现了意大利学者提出的三一律原则，即一个情节线索、一天时间和一个地点。
这是古典主义剧作家创作的基本准则。
法国文艺理论家N.布瓦洛的《诗艺》是一部具有古典主义文艺宣言性质的重要论著，概括和总结了几十年法国古典主义创作的实践，要求文艺“模仿自然”（包括人性的自然），“研究宫廷”，“认识城市”；把体裁（史诗、悲剧、喜剧等）分为界限分明的不同的等级，并对每种体裁进行严格规范；依据笛卡尔的理性主义提出理性至上的美学原则。
古典主义在法国文学中的代表者有高乃依、拉辛、布瓦洛、莫里哀、拉封丹等；绘画的代表者有普桑、勒布朗、大卫等；建筑中的代表者有芒萨尔、勒诺特尔等。
他们在政治上拥护王权，作品具有鲜明的政治倾向性；主张民族统一，反对民族；宣扬个人利益服从国家整体利益；塑造了为崇高社会理想而服务的人物典型；他们的创作基本上为宫廷服务，对民间文学采取轻视态度。
古典主义由于过分强调理性主义、普遍性和情节的集中、单一，往往忽视个性，突出类型，不少作品具有公式化、概念化的倾向。
大卫《荷拉斯兄弟之誓》为古典主义绘画的代表作
18世纪20年代起，古典主义思潮几乎遍及全欧。
英国的代表者是复辟王朝的诗人约翰·德莱顿和深受布瓦洛影响的诗人蒲柏。
德国的代表者是约翰·戈特舍德，曾据贺拉斯、布瓦洛等的观点写成论著《为德国人写的批评中诗学试论》。
俄国古典主义占有特殊地位，讽刺性突出，倾向减弱，其文学代表者是苏马罗科夫、罗蒙诺索夫和康捷米尔等，建筑的代表者是卡扎科夫、沃罗尼辛等。
浪漫主义
Romanticism
一种文学艺术的基本创作方法和风格，与现实主义同为文学艺术史上的两大主要思潮。
浪漫主义（英语romantic）一词源出南欧一些古罗马省府的语言和文学。
这些地区的不同方言原系拉丁语和当地方言混杂而成，后来发展成罗曼系语言（the Romance languages）。
在 11～12世纪，大量地方语言文学中的传奇故事和民谣就是用罗曼系语言写成的。
这些作品着重描写中世纪骑士的神奇事迹、侠义气概及其神秘非凡，具有这类特点的故事后来逐渐称为romance，即骑士故事或传奇故事。
浪漫主义思潮在文学、美术、建筑、音乐等艺术领域都有所体现。
作为创作方法和风格，浪漫主义在表现现实上，强调主观与主体性，侧重表现理想世界，把情感和想象提到创作的首位，常用热情奔放的语言、超越现实的想象和夸张的手法塑造理想中的形象。
古今中外的文艺创作自始就有这种特色。
如中国屈原、李白的诗歌和吴承恩的小说《西游记》，德国的歌德和席勒、法国的雨果和乔治·桑、英国的拜伦和雪莱等人的作品中都具有鲜明的浪漫主义特色。
作为文艺思潮，浪漫主义产生并风行于18世纪末～19世纪初的欧洲。
其时正值资产阶级革命的时代，资产阶级处于上升时期，要求个性解放和感情自由，在政治上反抗封建主义的统治，在文学艺术上反对古典主义的束缚。
为适应这样的需要，浪漫主义思潮应运而生。
浪漫主义文学 浪漫主义精神最先出现在文学中。
在法国，浪漫主义的先驱者是卢梭，他宣扬感情至上和人的本性善良。
一批作家响应他的“回归自然”的口号，在创作中抒发对大自然的感受，描绘大自然的魅力，抒发对美好事物、自由理想和乡土的热爱追求和依恋。
法国早期浪漫主义的代表是夏多布里昂。
他的创作缅怀过去的理想，宣扬宗教的威力，表现出浓厚的消极思想与情绪。
1800年斯塔尔夫人发表了著作《论文学》，介绍了她对浪漫主义的观点。
在这部著作和另一部著作《论德国》中，她提出了浪漫主义民族主义的问题，奠定了法国浪漫主义的理论基础。
雨果的《克伦威尔》序言和《爱尔那尼》一剧的上演成功，标志着浪漫主义对古典主义的胜利。
雨果的作品气势恢宏，具有强烈的理想主义色彩，表现了对中下层人民群众的深厚同情，是法国也是欧洲浪漫主义文学的杰作。
乔治·桑表现空想社会主义理想，揭露金钱万能罪恶的小说在法国浪漫主义文学中也属优秀作品。
然而，严格地说，浪漫主义还是起源于德国和英国。
浪漫主义最早的主要表现是德国的狂飙突进时期。
施莱格尔兄弟在18世纪最后几十年中成为德国浪漫主义的领袖。
施莱格尔兄弟编辑的刊物《雅典娜神殿》，在推动浪漫主义运动的宣传和理论建设方面起了重要作用，被称为耶拿派浪漫主义。
他们要求个性解放，主张创作自由，提出打破各门艺术界限。
但他们的浪漫主义理论带有浓厚的主观唯心主义和宗教神秘主义色彩。
德国浪漫主义的另一个派别是海德堡派。
代表人物有阿尔尼姆、布伦坦诺和格林兄弟等人，重视民间文学，深入民间收集民歌和童话，对浪漫主义文学发展起过积极作用。
此外，霍夫曼、荷尔德林、海涅、歌德、席勒等人的创作也在德国浪漫主义文学中占有重要地位。
英国浪漫主义的主要代表是湖畔派诗人华兹华斯、柯尔律治和骚塞。
华兹华斯在《抒情歌谣集》再版序言中把诗歌看作“强烈感情的自然流露”，这篇序言后来成为英国浪漫主义诗人的宣言。
19世纪初英国浪漫主义文学的代表是拜伦、雪莱和济慈等人。
他们抨击封建教会势力，表现出争取自由和进步的倾向，在艺术上发展和丰富了浪漫主义诗歌的形式和格律。
小说中的代表司各特善于把历史事件和大胆想象有机结合起来，创造出丰富多彩的画面。
在西欧浪漫主义思潮的影响和推动下，19世纪初俄国诗人茹科夫斯基打破古典主义规范，创作了许多优美的抒情诗和叙事诗，对俄国浪漫主义的兴起起了重要作用。
十二月党诗人和普希金、莱蒙托夫的早期浪漫主义创作，充满了革命，讴歌反专制、争自由的思想，是俄国浪漫主义文学的卓越代表。
东欧浪漫主义文学以波兰革命诗人A.密茨凯维奇和匈牙利革命诗人S.裴多菲为代表，他们的创作具有鲜明的爱国主义精神和浓郁的民族特色。
19世纪中期以后，欧洲的浪漫主义文学逐步被现实主义文学所取代。
浪漫主义美术 18世纪60～70年代，一些在罗马的画家曾在新古典主义艺术的严格学院主义原则范围以外探索各种可能的途径。
其中瑞士人亨利·富塞利以其所画奇怪异常而最为突出，其《梦魔》一画着重刻画了思想的非理性方面的力量。
英国画家和诗人布莱克在教神话的基础上，发展了他自己精心构制的宇宙论，他的水彩画技巧精美绝伦。
在后来一代的画家中康斯特布尔和泰纳把水彩画技法的鲜艳性和油彩结合使用。
康斯特布尔画英国乡村景色，探索了大气的光和色的复杂性。
泰纳发挥了光的自然效果，创造出有动力感的构图，使观众如历其境，似乎在随画面一起游动。
在德国，风景画家龙格力图以象征手法把个人的心灵气质描绘为普通的自然灵性的一部分。
弗里德里希是虔诚的宗教徒，他以高入云霄的一棵孤树或十字架之类形象来暗示自然和心灵的可敬可畏。
在法国，采用历史和文学题材的主要浪漫主义画家是德拉克洛瓦。
除在色彩和光方面进行实验外，他以雄健的笔力表现了他的感情。
异国的主题，特别是北非沙漠的游牧生活使他着迷。
其热情洋溢地描绘动物生活的作品，反映了他和热里柯相似的兴趣，后者在选择当代事件作为创作题材方面很有革命性。
德拉克洛瓦《米索伦基废墟上的希腊》（油画）
浪漫主义建筑 浪漫主义在建筑上表现为追求超尘脱俗的趣味和异国情调。
18世纪60年代～19 世纪30年代是浪漫主义建筑发展的第一阶段，又称先浪漫主义。
出现了中世纪城堡式的府邸，甚至东方式的建筑小品。
19 世纪30～70年代是浪漫主义建筑的第二阶段，它已发展成为一种建筑创作潮流。
由于追求中世纪的哥特式建筑风格，故又称哥特复兴建筑。
浪漫主义建筑主要限于教堂、大学、市政厅等中世纪就有的建筑类型。
它在各个国家的发展不尽相同。
英国是浪漫主义建筑的发源地，最有名的建筑作品是伦敦的英国议会大厦、圣吉尔斯教堂、曼彻斯特市政厅等。
浪漫主义音乐 在音乐方面，浪漫主义的特点是，不论作曲或演奏，都以个性为重点，注重感情表现。
这种变化部分地是由于音乐家的社会地位发生变化所致。
17世纪的作曲家是受托为贵族保护人而创作，而18世纪的作曲家则依靠城市音乐会的听众。
就这一意义来说，贝多芬上承古典主义时期，下启浪漫主义时期，因为他的音乐技巧基本上是古典主义的，但他把自己的音乐看得高于一切，看作是自我表现的一种手段，从而为19世纪作曲家树立了重要的典范。
一般认为C.M.von韦伯是真正浪漫主义作曲家的开端。
他以《魔弹射手》建立了德国浪漫主义歌剧，随后有舒伯特、柏辽兹、门德尔松、肖邦、李斯特和瓦格纳等大量作曲家。
他们分别在艺术歌曲、标题交响乐、钢琴小品、交响诗、歌剧等浪漫主义新体裁的创作上取得了巨大成就。
音乐中的浪漫主义精神，不论在浪漫曲还是在器乐方面，往往从诗歌、童话和民间故事吸取灵感。
浪漫主义音乐作品的形式结构更加自由，它服从于感情上的需要，有意识地带有片断或即兴的性格，对远距离和声和调性关系的探索使和声语言大为扩展。
把浪漫主义理想体现得淋漓尽致的是19世纪的大歌剧，强烈的民族主义，对英雄的崇敬，奇异的布景和服装，描述性音乐，以及交响和声乐配曲所显示的精湛技巧，都是构成浪漫主义音乐的因素。
现实主义
Realism
19世纪30年代 后欧洲文艺 中占主导地位的 文艺思潮和流派；也指文艺创作的一种原则和方法。
发展史 德国诗人席勒在1789年4月27日致歌德的信中第一次从美学意义上使用“现实主义”这个词。
1850年9月21日，法国作家尚弗勒里在《秩序报》上发表了一篇评论法国画家库尔贝的文章《艺术中的现实主义》。
1855年巴黎举行世界博览会，库尔贝的两幅画遭到主办者贬抑而未能入选。
库尔贝便在博览会旁边举办个人作品展览，之后，尚弗勒里同小说家兼批 评家杜朗蒂一起，创办了一个名为《现实主义》的刊物（共出6期）。
1857年尚弗勒里在论文集《现实主义》的序言里，称巴尔扎克是现实主义方法的创始者之一；并同时列举了狄更斯、萨克雷、C.勃朗特、果戈理、屠格涅夫等一批英国和俄国作家的名字，企图给现实主义提出某种纲领性的东西。
欧洲一个以“现实主义”正式命名的文艺流派和文艺思潮，即由此而来。
现实主义在19世纪 30～40 年代形成 并取代浪漫主义，具有社会历史发展和文艺本身发展的深刻原因。
面对现实，进步作家在自己的创作中反映社会的某些真实状况。
此外，19世纪自然科学领域的三大发现、空想社会主义学说的传播，都促使进步作家用客观的、批判的眼光来观察世界。
他们不再满足于浪漫主义文艺的主观理想和个人的叛逆精神、非凡事件和非凡人物的理想世界，而把目光投向文艺复兴、启蒙主义时代面向现实的传统和古典主义文学的讽刺倾向。
法国的梅里美、巴尔扎克，德国的霍夫曼、俄国的普希金等一批原来用浪漫主义方法创作的作家都转向现实主义，并成了各国现实主义道路的开拓者。
特征 现实主义作为一种文学思潮和创作原则，具有一些共同的基本特征：①它偏重对现实的客观的、具体的、历史的描写，强调人物和环境之间的现实关系。
②典型是现实主义创作的核心。
典型化和个性化不可分割，每个典型又是“这一个”。
巴尔扎克在《人间喜剧》的序言中说：“不仅仅是人物，就是生活上的主要事件，也用典型表达出来。
有在形形的生活中表现出来的处境，有典型的阶段，而这就是我刻意追求的一种准则。
别林斯基认为果戈理的小说是“现实在其全部真实性上的再现。
在这里，关键在于典型”。
③具有强烈的批判性或揭露性，特别注重描绘社会的黑暗和丑恶现象，以及社会下层、“小人物”的悲惨遭遇。
④在艺术形式和表现手法上，以生活本身的形式反映生活为其基本形式，但不局限于这一形式。
它具有广阔的审美可能性，不排除采用假定、夸张、荒诞、变形、意识流等多种手法。
它重视社会分析，包括心理分析。
探索人的复杂内心世界的心理描写，是它的艺术特征之一。
⑤思想基础一般为资产阶级的人道主义。
谴责社会黑暗，同情下层人民的苦难与不平等地位，但一般未触及社会矛盾和现实关系的真正根源。
成就 由于欧洲各国政治经济发展的不平衡，社会历史条件和民族文化传统的不同，现实主义文学在欧洲各国也各具特色。
法国是现实主义的发源地。
早期代表司汤达的长篇小说《红与黑》，真实地描绘了那个时候法国从外省到首都、从社会底层到上流社会...
汉字的艺术
汉字的艺术主要表现如下：
1、汉字书法
2、汉字拼图
3、鸟型汉字
4、画图汉字
5、汉字变形
6、隐型汉字
小学一年级美术《我们身边的线条》教案
《我们身边的线条》
教 学 理 念
中小学美术教学大纲的修订，具有划时代的意义，它为学校美术教育拓展了博大的空间，为中小学美术教育指明了方向,美术课堂教学正朝着多元化的趋势发展。
我的教学设计理念是以大纲精神为指导，以学科理论为依据，在教学实践中突出对孩子的兴趣培养引导孩子从生活中去发现美、感受美，重视创新意识与实践能力的培养，把审美教育贯穿于课堂中，发挥美育辅德益智的功效。
教师想要获得良好的课堂教学效果，就要对课堂教学的结构予以合理的组织与精心设计，使其充分发挥各教学环节的作用，把握住每一个教学环节，充分地调动孩子学习的积极性和创作的热情，激发学生浓厚的学习兴趣。
以下是我的整个教学设计理念：
1、丰富视觉和触觉经验
帮助孩子了解美术基本语言和知识，在设计本课过程中，利用工艺品、绘画作品、多媒体课件使孩子们通过多种感官接触物质和形象世界，从中体验、感受线的美感及表现力，提高他们的审美能力。
（1）通过折折手中的电线，找找身边的线、摸摸工艺品上的线，观察课件中的自然物水波纹、山石线、动物身上的斑纹…，体验人文环境中的线：建筑、服装，使孩子在游戏中认识各种各样的线，并初步感受线的美感，培养他们的观察习惯。
（2）创设情境。
全体师生共同舞动彩带，使孩子们充分体验曲线给人的自由活泼的美感，再次利用易弯曲变形的电线使每人分别体验、折线的坚硬、直线的挺拔严肃等不同感受。
（3）通过四幅典型的艺术作品，引导孩子进一步感受艺术作品中线的美感及表现力，初步了解线的表现方法，提高他们的审美能力。
2、体验美术学习活动的快乐，培养美术学习兴趣
兴趣是学习美术的基本动力。
课堂中应充分发挥美术教学特有的魅力，学习多样的表现形式，激发孩子的学习兴趣，并使这种兴趣转化为长久的情感态度。
教师采用多种形式引导孩子们感受美术学习的轻松与情趣，体验美术活动的乐趣。
通过折一折（电线）、找一找（身边的线）、摸一摸（工艺品）、玩玩（彩带）、看看（艺术作品）、听听（故事）说说、画画等一系列教学活动，使孩子们初步感受，认识线的美感及表现力—迫切尝试用线去表达自己的情感—兴趣勃勃地向同伴们介绍自己线画的作品。
在这一过程中，激发了孩子的好奇心，求知欲，培养孩子的兴趣，满足审美需要，使课堂成为孩子们自由挥洒的天地，最大限度地激发他们学习、创作的欲望；同时他们还体验了美术学习活动的快乐与成功，进一步激发他们产生新的心理需要。
3、为孩子提供创造的空间
“我的梦”既激发了孩子的表现欲望，又为孩子提供了想象、创造的空间。
孩子在“最感兴趣的梦境”中，思路开阔，充分发挥了每个人的创造才能。
在此基础上，用不同的工具、材料表现出自己的所想所思，使作业 形式、内容体现出个性化的表现。
4、美术与其它学科相联系，发展综合学习能力
锻炼孩子的语言表达能力贯穿了整节课，特别是在讲述“我的梦”时与语文学科更是紧密相联。
小结过程中，通过展示其他同学听音乐过程中表现的线描作品，引导孩子将美术与音乐相联系，以形成更大的知识背景，发展综合学习能力，使素质教育落在实处。
教 学 方 案
[课题]
《我们身边的线条》选自人美版小学美术第二册第13课。
[课型]
绘画课
[课时]
一课时
[教学目的]
1、引导孩子从生活中发现线条、认识线条、感受线条，培养孩子从生活中表现美、体验美、感受美的能力，提高他们的审美能力。
2、初步培养孩子运用线条进行表现的能力，提高他们的创造性思维能力。
3、培养孩子的观察习惯及热爱生活热爱大自然的情感，激发他们对美术活动的兴趣。
[教学重点]
发现生活中、艺术品中线条的美感，并初步尝试其表现方法。
[教学难点]
线的组织及变化
[作业 要求]
用各种各样的线画一幅自己感兴趣的故事情节，可自己想象，要求表现出线的疏密变化又有秩序。
教学过程
一、导入e79fa5e98193e58685e5aeb931333335313234 新课，认识线的种类（4分钟）
1、心情导入 新课
老师折电线
师：你们知道老师此时的心情吗
生：紧张、乱…
师：老师现在心情平静了应怎样表现
请每个小朋友拿起电线把老师的心情表现出来。
生齐折电线并展示
师：谁能变出更多的心情
你能叫出这些线的名字吗
生用电线变出直线、折线、曲线…相互交流，并归纳。
师投影直线、折线、曲线、交叉线
[上课时随机设置这样一个环节，使孩子原本不安份的心一下子被老师手中的电线吸引了，激发了他们的好奇心，从而注意力得以集中，并初步认识了几种线。
绘画是情感的表达，低年级的儿童虽然不要求刻意去表现，但这种感觉可以从最初时潜移默化地培养]。
2、做找线游戏并揭题
（1）师：看准能找到我们身边哪儿有这些线
谁能找出最多。
生自由走动在教室内寻找（地板、黑板、桌椅、风扇、服装、头上、窗外…）
（2）在他们发现身边的线后美术字揭题—《我们身边的线条》
[在孩子们认识各种各样的线后采用游戏法设置情境，悬念可以激发他们的学习动兴趣，促进师生情感交流，同时也很自然地导入 新课。
精致的课题吸引了孩子的注意，把他们好奇、兴奋地状态迅速引入下一个教学环节中。
无形中也培养了孩子欣赏美术字的能力，为美术字教学打下了良好的基础。
二、授新课—线的美感及表现力（17分钟）
1、感受生活中的线
师：我们一起来找一找本组课桌上摆放的工艺品上的线，摸一摸、看一看、想一想、找一找，这上面有些什么线
师生共同找出各类线
2、看课件：自然物和人造物中的线
引导孩子观察并思考：这些线给我们什么感受
师生共同讨论，谈谈各自的感受。
3、线的情感性
师生一起用彩带、电线分别体验曲线、直线、折线给人的不同感受。
师：刚才各种不同的线分别给我们什么感受
小组讨论、记录，回答。
师投影部分词汇（活泼、快乐、坚硬、挺拔、严肃、安详、温暖、兴奋、感动、惊奇、赞叹）。
小结：线也能表达各种感情。
[通过找工艺品上的线，观察课件中的自然物水波纹、山石线、动物身上的斑纹…，体验人文环境中的线：建筑、服装，使孩子在游戏中认识各种各样的线，在游戏中初步感受线的美感，逐步培养他们的观察习惯。
全体师生共同舞动彩带，使孩子们充分体验曲线给人的自由活泼的美感，再次利用易弯曲变形的电线使每人分别体验折线的坚硬、直线的挺拔严肃等不同感受。
4、线的运用和表现
（1）欣赏课件中中外画家的几幅线造型艺术，感受美感
（2）赏析赖利的《洪流》和克利的《奔流》
师：小组讨论这两幅画给我们什么感受
为什么
全班分组讨论，小组代表回答：…
师总结：波状弧线，整体又规律性的层次横跨画面，造成律动的幻觉，给我们强烈而又刺激的感觉。
（3）赏析线画《缅甸仰光大金塔》
师：比较这幅画和刚才两幅有什么区别
生讨论：以直线为主，表现了严肃、庄严的氛围。
师：画家用不同种类的线表现不同的情感，我们国家对线的研究更为精深。
从古代就非常重视用线造型。
（4）赏析李公麟白描人物画
师：这幅画在线的运用中有什么变化
师生共同体会线的疏密变化产生的节奏美感。
[通过以上四幅典型的艺术作品，引导孩子进一步感受艺术作品中线的美感及表现力，初步了解线的表现方法，提高他们的审美能力。
（5）小游戏
师：每人手中都持有一小张黑卡，现在请大家在黑卡上画用自己喜爱的工具和色彩画一根线，然后各组谈谈每张画给人不同感受。
生画出并讨论
师：不同色彩、不同工具材料表现出来的线能表现出不同的美感。
小结：线有丰富的表现力，古今中外大师、画家、小朋友都在用不同的工具、不同种类、不同粗细、疏密变化的线表达自己的情感，创作出了一幅幅优秀的美术作品。
[课堂中应充分发挥美术教学特有的魅力，学习多样的表现形式，激发孩子的学习兴趣，并使这种兴趣转化为长久的情感态度。
一年级的学生好动，还不是很适应学校生活，40分钟对他们来说显得漫长，在教学过程 中设计一个轻松的环节至关重要。
教师采用游戏的方法让孩子们体验了美术学习活动的快乐与成功，最大限度地激发他们学习、创作的欲望]
三、布置作业(3分钟)
1、讲述“我的梦”（语言描述）
引导孩子们回忆自己的梦，请一位语言表达能力较强的学生讲述自己记忆最深最感兴趣的梦。
2、请大家把最感兴趣的部分用线画出来，可以加入自己的想象。
3、作业 要求：可自己创作，也可自由组合共同完成。
选择适合自己所画内容的纸、笔把它通过不同种类、不同粗细、不同疏密变化的线表现出来。
[只要大胆地创设课堂教学情境，变苦学为乐学，才能充分激发孩子们的创作。
“我的梦”既激发了孩子的表现欲望，又为孩子提供了想象、创造的空间。
合作创新、动手实践，让每个孩子都能体会到绘画的乐趣，给他们创设宽阔的舞台，让他们尽情地发挥创造力，从感性到理性有了一个飞跃。
四、学生作画（12分钟）
教师巡视辅导（选择轻松、愉快的钢琴曲作为背景音乐、创设愉快乐的氛围。
1、巡视作业 中构图情况及线的组织。
2、作画中间集中辅导：针对作业 中普遍存在的问题，教师进行具体指导。
3、分组指导：针对小组个别问题及时辅导。
4、对孩子进行个别差异指导。
五、作品评价，课外延伸（4分钟）
1、展示各组的绘画作品
（1）各组同学之间互相介绍自己的作品，互评，推选出一名代表；（2）请各组代表到前面展示自己的作品。
选两、三名向全班同学介绍自己的作品，从构思、线的组织、工具、材料的使用几个方面进行分析。
（3）师进行客观评价。
[让孩子学会自评、互评，学会学习和自我教育，成为可持续发展的学习者。
教师的观念要适应时代需求，不应以“成人化”的眼光去要求孩子，更不应以“成人化”的标准来衡量他们，要鼓励他们自由表现、大胆创造、勇于尝试。
2、总结延伸：展示几幅用线表现自己对这段背景音乐感受的作品。
师：音乐与美术是姐妹艺术。
我们回家听一段音乐，用线表现自己对这段音乐的感受，体会音乐与美术有什么联系。
画完后可以与父母共同欣赏，装饰自己的作品，装饰自己可爱的家。
[强调美术与其它学科相互联系，引导孩子将美术与音乐相联系，以形成更大的知识背景，发展综合学习能力，使素质教育落在实处。
学会创新与探究，学会让自己的东西变得实用，生活化起来，同时学会让亲人分享自己的劳动成果，又增进了亲情