西汉工艺雕塑的纹样不包括(西汉工艺雕塑的纹样不包括哪样)
教学古诗时,要求学生根据诗意绘画,这种做法好吗
我觉得非常的好,这样能让学生好的理解诗词的真正含义,同时开拓了学生的空间思维,提高课堂的气氛。
美术课如何进行有效的展示评价
—《吉祥图案》后反思 这节美术课是一门实践课,前二十分钟讲授,后二十分钟学生实践操作并展示评价。
任你在前二十分钟讲的天花乱坠,如果最后学生作品出不来,那你这节课的有效性就可想而知了。
而我这节美术课,我觉得可以当个典型的反面案例吧。
在这后二十分钟里,我在教室里进行培优补差的个别辅导,时间一分一秒的过去,我焦急的发现,百分之八九十的学生似乎在下课前都完成不了布置的剪纸作业。
那我怎么进行接下来的展示评价呢,最后我挑了两三个学生作品,简单概括的进行了评价,然后课后拓展。
下课后,挫败感油然而生啊
不同于其他学科,美术教学没有统一标准,怎样让学生在教学中获得发展,怎么让学生找到学习美术的信心,很大程度上依赖于课堂中的作业展示评价环节,可这个如此重要的环节在这堂公开课上,被我处理的简单潦草。
课下,我不断的回忆课堂上的教学过程,寻找这种结果的原因:首先,没有展示台,我只是拿着学生作品,展示讲解,说完了又换下一张,学生对作品没有全面的欣赏,甚至很多没有完成作业的学生还在专心于自己的作业,我的评讲非常无效;其次,过于缺乏评价性的语言,我只是用“做得好”、“真不错”、“很有想法”来简单的评价学生作品,可是这样的评价语言并没有给学生确切的指示,到底好在哪里
不错在哪里
想法在哪里
听的学生还是一头雾水,这样的评价语言是不能使学生获得进步与发展的;然后,我为了节省时间,代替学生发言,直接进行评述,学生失去了自己的判断与思考,无疑是对学生美术鉴赏能力的一种消磨;最后,当我把自认为优秀的作品评讲完,将作业退还给学生,对他们也没有更多的奖励鼓励方法,如果这样学生会失去努力完成好美术作业的,对他们而言画好画坏一个样,这对于培养学生对美术学习的兴趣,是非常不利的。
我在备课时,只是简单的在教案上写下了:“教师进行展示评价,自评,学生互评,教师点评。
没有具体的操作方案。
而优秀的美术课中,老师们的评价语言也应该非常多样,鼓励学生进行自主评价,且方式多样 充满智慧和诗意的语言不但在情感上会拉近评价者和被评价者之间的距离,而且也充分体现了美学的特点,因此也就成为师生之间平等对话的互动平台,还能使学生获得精神上的支持,得到情感上的满足。
在以后的评价展示中,我应该注意并学习以艺术化的态度去关爱学生的成长发展,用充满诗意的评价去激发学生的学习热情,努力营造课堂教学的美学韵味。
我想只有这样,美术课中的展示评价才能真正起到作用,变得有效生动起来,成为实现学生美术素养发展和个人成长的有力平台。
美术家是如何进行表达的
2、进一步认识不同类型的美术作品在使用美术的语言上有着不同的方式,美术作品由此呈现出千变万化的形式特征和审美意韵。
教学重点:在于认识美术的语言,其中包括概念、内容及其形态分类。
教学难点:主要在于美术语言既是具体的、可分类的,又包含在整个美术作品之中,因而势必增加学生理解的难度,所以必须结合具体作品,调动学生以往的美术知识,通过多样的美术作品来认识和讲解。
三:教具准备:相关画册四:教材分析(A)内容结构 本课主要分为三个部分。
第一部分以中国古代画家吴道子和李思训为例,说明美术家在美术语言的运用上是有差异的。
第二部分“什么是美术作品的艺术语言”,首先从三件具体的美术作品—五代画家顾闳中的工笔重彩人物画《韩熙载夜宴图》、宋代画家梁楷的写意人物画《泼墨仙人图》和美国画家克里福德·斯蒂尔的油画《1954》开始直接的语言辨析,然后进入概念和知识的解释,说明什么是美术语言、美术语言所包含的内容以及三种基本的美术语言形态。
第三部分“美术家是如何运用艺术语言的”,着重对具象艺术、意象艺术和抽象艺术进行具体的辨析,以使学生对这三种基本的美术语言形态有一个初步的了解和认识。
(B)作品分析 1954(油画,1954 年)克里福德·斯蒂尔(美国)韩熙载夜宴图(绢本设色,28.7 厘米×335.5 厘米,北京故宫博物院藏)顾闳中(五代)顾闳中(907—960)是我国五代时期南唐(937—975)的著名人物画家,时任宫廷画院待诏。
维纳斯的诞生(油画,1485 年)波提切利(意大利)桑德罗·波提切利(1445—1510)欧洲文艺复兴时期意大利的杰出画家。
早于达·芬奇 7 年出生于佛罗伦萨的一个手工业者的家庭。
14 岁时开始跟随僧侣画家利比学画达 7 年之久。
其后个人独立作画,多为宗教题材和古代神话故事题材,但他创作的作品如《三王韩拜》(圣经故事,约 1475 年)、《圣母颂》(圣经故事,约 1482 年),《维纳斯的诞生》(神话故事,约 1485 年,一说 1482 年)、《春》(神话故事,约 1487 年)等代表作品,则是用人文主义思想,表现了充满诗意柔情的世俗的情感与精神。
在技法上重视写实,巧妙地将人物和风景结合起来,其人体解剖和透视均已达到很高的水平,成为佛罗伦萨画派的杰出代表。
我们从画面中所获得的一切感受,就是画家用线条和色彩构成的形象所反映出来的,离开这些艺术语言,便无从获得感知。
泼墨仙人图(中国画)梁楷(宋)梁楷(生卒年不详),祖居东平(今山东),南渡后客居钱塘(今杭州),宋宁宗嘉泰年间(1201—1204)为画院待诏。
善人物山水、鬼神道释,亦能花鸟。
他生活放纵不羁、嗜酒如命,又喜与和尚交往。
传说朝廷鉴于他在画坛上的声望而赐他金带,而他却挂带而去,世称“梁疯子”。
搜尽奇峰打草稿(中国画)石涛(清)《搜尽奇峰打草稿》是该画上的题款,后人以此题款作为该画的标题。
石涛在许多画中的题款书写的往往是自己的艺术主张。
荷拉斯兄弟宣誓(油画,330 厘米×425 厘米,1784 年,巴黎卢浮宫藏)达维特(法国)达维特(Jacques-Louis David,1748—1825)出生在巴黎一个服饰用品商的家里,9 岁成为孤儿,由他的叔父比隆抚养。
簪花仕女图(绢本设色,46 厘米×180 厘米,辽宁省博物馆藏)周(唐)繁荣的唐代艺术,以人物画为主流,一时名家辈出,周就是当时以人物画驰名的丹青名家。
周曾学张萱,但青出于蓝而胜于蓝,独创了“周家样”。
这种“周家样”突出地表现在他著名的“水月观音”佛教造像中。
除此之外,周的艺术成就还体现在他表现宫廷生活和贵族仕女的题材中。
《唐朝名画录》中将其作品评为“神品”,尤其称赞其仕女画是“古今冠绝”。
蓝马(油画,1911 年)马克(德国)此图为马克的代表作之一。
画家运用响亮的蓝色描绘出几匹不同形态的马,形体刻画简洁洗练,造型雄健强壮,马匹的轮廓呈有力的弧线,与背景的山峰的起伏和流云的走势形成一组活泼跌宕的流动曲线,使画面和谐统一,宛如一首雄浑激越的协奏曲。
虾(中国画,1946 年)齐白石 齐白石兼擅诗、画、印各艺,在绘画上则以花鸟虫鱼闻名。
其花鸟画继承徐渭、八大、石涛、金农、吴昌硕诸家笔墨精神,又融入民间艺术清新质朴的审美趣味。
他以一个农民的本色和淳朴的情怀,运用老辣生涩的笔墨,突破了传统文人画和民间画工的局限,将二者有机地结合到一起,使作品呈现出明快、清新和诙谐的趣味和生命力。
尤其是他的虾,更以笔墨洗练、形象生动见长,受到广大人民的喜爱。
走下楼梯的裸女(油画,147.3 厘米×88.9 厘米,1912 年,美国费城艺术博物馆,路易斯和沃尔特·阿伦斯堡藏)杜尚(法国)杜尚(Marcel Duchamp,1887—1968)生于法国布兰维尔附近,是西方现代艺术中最有争议和最有影响的一个人物。
他在校时天资聪颖,在各个方面均表现了对绘画的爱好。
1913 年,杜尚的《走下楼梯的裸女》第一次在纽约的军械库展览中向观众露面,受到了极大的攻击,被认为是“木瓦工厂里的一场爆炸”,它得到了“一种引起公愤的成功”。
这样的攻击引起了人们更多的关注,据估计,有记载的参观者就有 25 万人之多,人们大都是冲着这幅画去的。
红、黑、黄、蓝构成(油画,1922 年)蒙德里安(荷兰)1920 年,风格派最有影响的画家和理论家蒙德里安(Piet Mondrian,1872—1944)发表了自己的著作《新造型主义》,介绍了自己的观点和理论。
他认为现代人与自然的距离已相去甚远,他的生活变得越来越抽象。
牛顿色盘(油画,100 厘米×73.7 厘米,1912 年,美国费城艺术博物馆,路易斯和沃尔特·阿伦斯堡藏)库普卡(捷克)以毕加索为首的立体主义,当时被公认为是“正统的”(或称“原发的”、“经典的”),但根据诗人和立体主义理论家阿波利奈尔的说法,实际上它已被分化成四股力量,其中“奥尔甫斯主义”即是其中之一。
奥尔甫斯(Orpheus)这个词,法语的意思是“同时的”,奥尔甫斯主义即指描绘事物在同一时间内的不同方面,也即光与色的同时性,故又称“奥尔甫斯立体主义”。
(C)名词解释 明暗 明暗是自然界中的物理现象,即物体因受光而产生明暗上的变化。
“明暗”在中国传统中往往以“阴阳”来描述,尽管“阴阳”原本是一个哲学概念,但也可以用在美术中来指事物一明一暗或一黑一白两个对立统一的方面。
空间透视 透视是表现空间的一个重要手段,其目的是要在一个相对独立的环境中把对象“合理”地表现出来。
但在不同的文化下对透视的认识也是不同的。
西方自文艺复兴开始就以科学的态度来认识和研究透视,形成了自己的透视观。
它表现透视的方法一是几何透视,即利用形体的几何形变化来形成透视空间;二是视觉透视,即利用事物的浓淡和色彩冷暖变化来产生空间透视的感觉;三是焦点透视,即利用事物向一个中心聚焦的办法产生透视空间。
而中国的办法就不同,中国艺术采用移动的视点,因而形成了所谓的“散点透视”,即不同事物同时出现在同一画面之中,通过其相互关系形成透视空间。
构图 构图就是按照艺术家的需要把一些形象安排在一起,使之形成有机的联系,以表达艺术家的某种意图。
但是这种“安排”不是任意的,而是有规则的。
在西方,自文艺复兴时期开始就有许多艺术家和学者对美术中的构图进行系统研究,形成了一门构图学,专门研究构图对于形象呈现的作用。
在中国,20 世纪以来也逐步建立起对构图的研究工作,尤其是对中国传统美术中的构图的研究,形成了一批突出的成果。
肌理 是造型艺术特有的美感特征,因所用工具或材料的不同而表现出不同的感觉。
例如油画和中国画的肌理就因为使用了不同的工具和材料而不同。
另外在许多当代艺术作品中已有对现实中的各种材料的大量使用,就形成了各种肌理效果。
它之成为美术的语言之一,就在于不同工具和材料所表现出来的美感特征已成为艺术家进行各种情感和观念表达的重要组成部分之一。
教学反思:美术作品鉴赏中必须要了解的重要部分,教学中要利用对语文字词句构成的关系对比让学生更加深入理解对美术作品鉴赏中,对形象艺术语言的运用分析美术作品的重要作用。
教学中以美术作品中的美术语言与语文语法之间关系为引导,引起关注-深入讨论-感悟作用-理解概念。
传统美术和创意美术的区别
1、创作目标不同:
创意美术:主要是通过美术这一途径,激发作画者的自我创作的能力和最大想象空间。
传统美术:在画法上只要求像,作品水品达到一定阶段。
2、要求不同:
创意美术:要有想象力,有个性,有创新的东西,自由发挥,不用拘束在一个框里。
传统美术:注重画法,强调技巧层面,要求扎实的基础,构图的精准与画面的完整。
3、作画类别不同:
中国传统美术:主要是人物、山水、花鸟等,而画这种必须相仿率高才可以。
创意美术:可以自由发挥,无限联想,这样可以增强孩子想象力和创造力。
4、注重点不同:
创意美术:则是把作画者的思维想想扩展到最大。
传统美术:只是重视基础知识和理性教育。
传统美术与创意美术并不对立,是美术中两种不同的方向,孩子可以根据自己喜欢的方向做选择,或者都学。
参考资料来源:百度百科-传统艺术
参考资料来源:百度百科-创意美术
小学生表达对美术作品感受与理解的的方式有哪些
美术课程的总目标其中指出:让学生掌握欣赏与评述的方法,了解基本美术语言的表达方式和方法,形成基本的美术素养,陶冶情操,完善人格。
并把“欣赏·评述”列为美术四个学习领域之一。
可见它的重要性。
而要陶冶情操,完善人格,实现情感态度与价值观,掌握欣赏与评述的方法,了解基本的美术语言,形成基本的美术素养,则必须通过欣赏、评价优秀的美术作品来完成。
欣赏,作为美术学习活动的四个领域之一,无论是以美术欣赏教学的形式出现,还是作为美术教学过程中的一个基本环节。
它贯穿于美术教学的始终,也是众多的美术教师在教学过程中难以把握的一个问题。
我们往往在欣赏的过程中,不知如何去欣赏评价、审视艺术作品,甚至不知如何去指导教学。
因为,它需要教师具有较高的艺术修养和文化底蕴。
尤其是,当学生作品展示时,教师如何去引导学生欣赏、评价其作品,就此,本人围绕教学谈谈自己的一点看法。
首先我们有必要了解一下什么是欣赏、评价。
然后,再去谈如何去引导学生欣赏、评价其作品。
1、欣赏:
欣赏,从文学艺术的角度来说,本意就是享受美好的事物,领略其中的趣味。
它是欣赏者对客观纯在的美的一种主观感受。
是审美主体对客观事物的美的属性的一种认识与反映及对美所作出的一种评定和判断。
无论是自然美、社会美、还是工艺美,都是欣赏者对客观事物的“美”进行感受、体验、领悟,从而获得由浅入深、情景交融的审美把握,并引起感情上的激动、满足和精神上的享受。
欣赏,在其过程当中,欣赏者首先是采取肯定和赞赏的态度去面对艺术作品的。
对作品的部分东西很少做出评价。
如:有人说,我很欣赏西方现代派美术。
这就意味着,他对西方现代派美术的充分肯定与赞赏。
就象我们现实生活中,有人说,我很欣赏你的为人,我很欣赏你的服饰,我很欣赏你的气质,我很欣赏这种色彩等等。
都是认为好、持有喜欢、肯定的态度的去欣赏。
2、评价:
评价:就是评定某种事物“价值”的高低。
从文学艺术的角度来说,就是指评价者从一定的立场和观点出发,对艺术作品和艺术家的成就得失、是非功过作出判断和评定。
是指对作品的特点、质量、意义等等做出全面的评价,具有鉴赏的意思。
也叫艺术批评、艺术评论。
比如,我们要评价一下西方现代派美术,首先,就意味着我们对这一流派持有不肯定和不赞赏的态度。
只有通过对这一流派的艺术主张,及其对作品中所体现的思想内容、艺术技巧等方面,进行认真、全面、细致的分析、研究与鉴赏后,才能下结论。
才能决定对这一流派的美术作品是采取肯定、赞赏,还是采取分析、批判,甚至否定的态度。
只有分析了解后,才能作出正确的评定。
它与欣赏有情绪、观点上的区别。
因为,任何一件艺术作品,都是由形式和内容两部分构成的,它是内容和形式的完美统一。
所以,评价作品的标准就有两个。
一个是艺术的(专业的、形式的),一个是思想内容(内在的、主题思想)。
因此,可以说,欣赏是评价的基础,评价是通过欣赏的过程来实现的。
评价可以促进欣赏。
二者既有区别,又有联系,和谐统一。
一、那么,如何欣赏美术作品
我们知道,任何一件美术作品,它都是形式和内容的完美统一。
因此,我们要欣赏一件作品,首先就得从形式和内容上去欣赏。
而当我们面对一件作品,首先映入我们视觉感官上的可以直接感知到的就是作品形式上的美。
因此,我们在欣赏作品时,应该先欣赏作品的形式美,然后再去欣赏作品的内容美。
1、作品形式:
我们知道,任何一件美术作品的内容,都必须通过一定的组织结构和表现手段(用某种语言来说话)表现出来,才能成为可供欣赏的具体的艺术作品。
因此,用来表现作品内容的组织结构与表现手段的总和,就是作品的形式。
结构和语言便成了作品形式的基本要素。
(1)结构:
“结构”,是指作品的内部构造。
它是指作者按照主题思想的要求,来经营创作所用的生活资料。
换句话说,它是指作者在从事创作的过程中所设计的一个蓝图。
即创作前的构思。
你要画什么,怎么画,采用什么形式,利用什么方法、手段。
为什么这样画,这么画,表达自己怎样的思想情感,想通过作品歌颂什么
鞭挞什么
包括造型、布局和设想等等。
而结构的基本环节是剪裁和布局。
剪裁,是构成形象和意境的第一个环节。
如,画梅花:“触目横斜千万朵,赏心只有两三枝”。
即删繁取简,熔炼精华。
布局,即构图,“经营位置”(大家都知道,这里我们就不谈了)。
所以说,结构,是表现作品主题思想的一个重要的手段和因素,作者只有通过好的结构,把一系列的生活资料和体验以及感受和想法等,合理的布局,才能充分的表现主题思想。
如绘画,它的结构,就是通过优美的线条,生动准确的造型,丰富的色彩,奇异的材料,巧妙的构思和新颖别致的构图等构成的表现形式,来表达作者的美好创意。
(2)语言:
“语言”,新课标要求—让学生掌握基础的“美术语言”。
强调了“语言”在美术学科的重要性。
我们要用美术语言,通过作品来传达观念和情感。
所以语言非常的重要。
美术语言”:
就是指造型艺术中最基本的构成因素。
如点、线、形状、色彩、结构、明暗、空间、材质、肌理等。
以及将这些造型元素组合成一件完整的作品的基本原理。
如多样统一、比例、对称、平衡、节奏、对比、和谐等。
也可以说,美术语言它是一种不同于文学语言符号的特殊语言。
它是视觉符号。
它具有一定的象征性。
例如,文学作品中的语言,一个字,一个词都是一个记号。
它们有着各自相对独立的意义。
如鸟、语、花、香,每个字都是一个符号,每个字都有它独立的意义。
如果再把它们按语法的关系将它们组合起来—“鸟语花香”一词,则更具有现实主义了。
而孤立的美术语言:如线条、明暗、色彩等,它们各自独立都不代表任何主义,只有当它们按照造型的法则去构造一种全新的创造物的时候,也就是说,只有把它们结合到一个整体的新的形象之中去,它们才有表现某种主义的作用。
比如:有几个孤立的符号“○”(圆)“(”弧,“└”折线。
它们各自独立时没有任何主义,当将它们组合成新的形象“苹果”时,则具有了实在主义了。
(再如几个四边形构成一个房子等)
由此可以看出,“语言”,它在文艺作品中,具有一定的生动性和形象性。
这种视觉语言或视觉符号,也具有一定的象征意义和艺术内涵。
如绘画,它主要是用线条和色彩作为物质手段来表现空间事物的。
其中“线条”(语言),它具有寄托和浓缩情感意识的无限空间。
它是表现物质世界和情感世界的一种最完美的语言和手段,尤其是意笔线条,更具有无穷的包容量。
线条的横竖、曲斜、刚柔、长短、疏密、方圆、粗细、波磔、轻重、阴阳、虚实、明暗、浓淡、动静、滑涩等等。
线条的随机变换,审势赋形,含情达意,可以表现宇宙空间之万物。
例如:卫夫人在《笔阵图》中从书法艺术的角度论述:“横如千里阵云,竖如万岁枯藤”。
也就是说,一根横划,它所描绘的意会,可以让人联想到千里之遥的风云变幻,气势宏伟。
一竖之中,可以表达出漫长的岁月和苍老的容颜,道出了人生历程的雪雨风霜和酸甜苦辣。
此时,线条已充满了生命的活力,给人以智慧和启迪。
“戈如百钧怒发”、“撇如陆断犀象”、“捺如崩浪雷奔”、“折如劲弩筋节”。
可见,这种线条的转折变化,既有它的力量感和重量感,而且运动、情态、气势、刚柔等都能充分的体现出来。
这种线条是何等的表现力和想象力。
这里,线条已富有旺盛的生命力。
如:横线的变幻,竖线的高矗,曲线的蠕动,斜线的滑坡,细线的瘦弱,折线的刚硬,圆线的丰满,短线的跳动,转线的回环,方线的力度,粗线的健壮,涩线的苍老等等,这些线条,它都有一定的抽象内涵显示出来,具有一定的象征性,这也正是我国五千年意象内涵深处的一种独特的思维活动和独有的线意识的神妙之处。
(也是所谓的线条语言)
那么色彩也有它的象征性语言:
如红色(暖色),能给人以热烈奔放,令人振奋及温和的感受,它象征热情、喜庆、幸福、吉祥、浪漫。
蓝色(冷色),则传递一种忧郁和悲哀的情绪。
给人以清凉寒冷的感觉,又有忠诚、安全、宁静的感觉(蓝天白云、碧海蓝天、月光蓝天等)。
因为它是天空的色彩,所以它象征和平、安静、纯洁、理智。
另一方面,它又有消极、冷淡、保守的意味。
黄色(暖色),具有快乐、希望、智慧和轻快的个性,给人以生命力,具有朝气,因为它是阳光的色彩,所以它象征着光明、希望、高贵、愉快。
但是,浅黄表示柔弱,灰黄表示病态。
绿色:中性色,它自然、稳定、成长、忌妒。
因为它是植物色彩,所以它象征平静与安全、自然、希望、生命和环保。
等等,这里我就不一一的说了。
可以说,“色彩”(语言),它也可以传达人的思想和情感。
不同的色彩及其完美组合,会使人感受到色彩那奇异的奥妙和迷人的旋律。
或明快与忧郁,或兴奋与平静。
不同色彩给人以不同的感觉和它的象征意义。
面对丰富多彩的世界,画者通过对不同色彩的感受,把自己的情感和富有诗意的想象力、创造力,一起融入自己的绘画创作当中,使色彩与画者的情感交融在一起,放射出奇异的光彩。
谈到关于色彩的情感表现,我们不得不提起一个人,那就是荷兰画家凡高,凡高,他是被誉为人类给画使上最富典型的运用全部生命来倾注色彩感情的本质的画家。
他以一种扭曲、旋转和极富运动笔触、在画面上堆积厚重而放大的色彩,每一笔触的排列,都在抒发他那内心的强烈。
明确的显示了色彩自身的情感力量。
给人留下了难以磨灭的生命情感印象。
因此可以说,一切文艺作品的语言,它都包含着作者的情感。
没有情感,作品就不能打动人,也就不能引起读者在感情上的激动。
再如,罗中立的油画《父亲》,虽然整个作品是现实主义的,但是,为了达到细节的真实性,作者采用了这种极度写实的油画造形语言,活生生地再现了那个时代,我国农村千千万万个“父亲”的典型形象。
他那黝黑的皮肤、纵横深刻的皱纹、由于干渴而微启的嘴唇里仅存的几颗牙齿、额头上到处沁出的点滴汗珠、老树皮似的手和由于长期磨损而变形、变了色的指甲、受伤的手指、粗瓷劣质的大碗和对襟布褂、以及从头顶直射下来的正午强光…这些精细入微的色彩造型语言,所“倾诉”的内容,是无比丰富的。
它们不仅“说”出了我们农民“父亲”几十年来的生活和目前状况,也强烈地抒发着作者内心的呼声,一定要加速现代化的步伐,要改善人民生活…这其中的深沉的思绪和复杂的感情,决不是文字语言所能穷尽的。
以上,我们对美术作品的形式(结构、语言)有了初步的了解,那作品的内容又是什么呢
2、作品内容:
就文学艺术而言,既然艺术作品是社会生活在艺术家头脑中反映的产物,那么,艺术作品,它就必然包含着艺术家对社会生活观点和艺术家本身的思想感情两个方面的因素。
也就是说,它一方面反映的是客观现实生活的某种因素,另一方面,它也反映了艺术家对他所反映的现实生活的独特感受、感动、理解、评价、和理想,甚至幻想等主观的因素。
因此,艺术作品是主、客观因素结合的产物。
这样,题材和主题便是构成艺术作品内容的基本因素。
所以,内容,它是事物内在的各种要素的总和。
(1)题材:
题材,是作者在观察生活中所选择出来的,并通过加工、提炼后,用来表达作者主题思想的生活材料。
一般来说是指作品里所描绘的人物、事物和环境等等。
比如,我要画鹰,我们首先就得收集、了解有关鹰的各个方面的知识和资料。
如鹰的种类、形态、结构、色彩、生活习性、生存环境,以及人与鹰—人与动物—人与自然的关系等人文精神。
然后再决定去表现它,经过意念加工,从鹰的动态、神情和气质等方面去设计与刻画它,这样,才能创作出物与我合的感人作品来。
(再如:画花鸟、人物、山水等等。
(2)主题:
主题,又叫主题思想或中心思想。
它是作品的全部思想,是作品的灵魂。
是作者在生活实践中根据自己对生活的感受和认识,通过对题材的确定、加工、提炼而表现出来的。
(所有的形式、方法、手段等都是为了突出表现主题而服务的。
这里我们提到的作品的“主题”和作品的“标题“是不一样的。
尽管有些作品的标题近似主题,但仍不是主题。
如一幅以画“鹰”为题材的作品,其标题为《雄风》,若从标题上看,要表现这一标题的题材很多,可以画马、虎、狮子、公鸡等等,而作者取材“鹰”,选择“雄风”这一标题,其作者是想通过作品《雄风》来表达自己对鹰的认识与感受,使人看到它,便可以领略到雄鹰那种雄浑博大之气概,壮志凌云之胸怀,神勇无谓之气度,叱咤风云、搏击海天之风采。
从而给人以震撼,给人以激励和无形的力量。
也是作者通过作品所要传达的真挚情感。
这才真正是作品的主题。
从而使我们真正的
中小学美术教案如何写
初中美术教案范例:
第二单元《春天的畅想》
第一课:感受春光,了解春天
一、教学课时:1课时(本课为第一课时)
二、学习领域:欣赏•评述
三、教学目标:
1、知识目标:引导学生通过欣赏与评析,体会自然美和艺术美共同的美感与不同表现方式。
2、能力目标:结合学生自己的观察、发现,大胆地想象和联想,帮助学生感受艺术家以不同角度、不同形式对春天的赞美,同时抒发自己对春天的感受,提高学生的鉴赏能力和绘画创作表现能力。
3、情感目标:
激发学生对美的发现与追求,对生命与自然的亲近,加深学生对人与自然和谐共处、保护自然就是保护人类自己的体会。
培养学生积极参与交流意识,感受成功的体验。
四、教学重点:理解自然美和艺术美的相关知识及其间的关系。
五、教学难点:
让学生能以讨论与合作、比赛的方式,自己分析出作品中艺术家对春天赞美的角度与形式。
通过对艺术家的作品与审美价值的了解、探究和体验,理解不同艺术的不同表现形式。
六、教学准备:
1、教师准备:多媒体课件(其中包括有关春天的文学作品、音像资料、图片、音乐)
2、学生准备:课前预习本课,在课前通过上网、去图书馆查阅等途径收集、摘录描写春天的文学作品片段与诗词;中外艺术家表现春天的作品图片;表现春天的摄影图片及歌曲等。
七、教学过程:
(一)引导阶段
1、创设情境,揭题引趣:
师:春天是自然界万物复苏、生命萌动的季节,更是人们辛勤耕耘、播种希望的季节。
在春风的吹拂下,春天的一切都充满了活力,百草吐绿,百花争艳,百鸟欢鸣,它孕育着生机,萌生着希望。
下面,让我们首先伴随着朱自清先生的散文《春》和一组表现春的摄影图片一起来感受春光,了解春天吧
(板书课题)
课件展示:散文《春》的朗诵录音和配景摄影图片
2、分组讨论,阐述春天的特点与美感:
问题(1):自然界的哪些现象向我们传达了春天的信息
春天到了,可以组织哪些课外活动
生(1):万物复苏、鸟语花香、春意盎然、春柳叶绿、百花盛开…
生(2):春游、写生、植树…
问题(2):结合课件和自己收集中的诗歌、图片、音乐用一句话谈谈你对春天的感受或春天给人一种怎样的美感
3、探究、分析春天的象征意义和表现形式:
问题(1):在一年一度传统的春节中,有哪些风俗习惯向我们传达了春天即将到来的信息
生:贴春联、挂灯笼、放鞭炮…
课件展示:春节时的民俗、生活图片、民乐合奏《春节序曲》
问题(2):人们为什么要在春节时贴春联、挂灯笼、放鞭炮呢
春天象征着什么呢
生:贴春联、挂灯笼、放鞭炮这些风俗习惯寄托着人们对新的一年美好的憧憬,人们总是把春天作为一个美好的象征,用春天来比喻新的开始和美好的青春。
比如形容新生事物蓬勃萌发为“雨后春笋”…
问题(3):还可以用哪些形式来表现春天
生:春联、绘画、音乐、雕塑、歌曲…
(二)发展认知阶段
1、欣赏感受自然美与艺术美及其相互关系:
A、欣赏国画《春》(现代)王成喜
课件展示:摄影《梅花》与国画《梅花》、诗词《卜算子•咏梅》的书法与朗诵录音
师:“春为一岁首,梅占百花魁。
通过对比以上两组图片,谈谈画家为什么要用梅花来表现春天,传递春的信息
是怎样把自然美和生命活动联系起来的
师:梅花有敢为天下先的勇气一探春光,其它的百花也不甘示弱纷纷赶来向春姑娘报道。
大自然为我们创造的春天可以说是一个百花园,生机盎然。
大家现在可以一边欣赏一组花卉图片一边构思:如果让你们用这些花卉为题材表现春天,你准备怎样表现呢
课件展示:一组表现春天花卉的摄影图片和门德尔松的钢琴曲《春之歌》
板书:自然美—客观世界中自然物、自然现象的美。
B、课件展示:摄影风景图片《漓江》与画家白雪石的国画作品《漓江春》等。
问题:同样是表现桂林山水的题材,自然美与艺术美有何不同
什么是艺术美
自然美与艺术美又具有哪些共同的美感
板书:艺术美—艺术作品呈现的美。
二者关系—艺术美来源于现实美又高于现实美。
2、造型艺术作品与文学作品表现春天的不同特色和特点:
A、欣赏墨彩画《溪》和国画《初春》
课件展示:摄影图片《春柳》与国画《溪》、《初春》、童声音乐《春》
师:“寒雪梅中尽,春风柳上归”。
冬雪消融,小溪潺流,碧绿清澈,在微风的吹拂下漾起道道波纹,嫩柳生机萌动,这一切都传递着春的消息。
湖滨春柳吐绿,鱼民在美好的春光里忙忙碌碌,鱼舟来来往往,一片繁荣景象。
多么富有诗意的画面呀
B、欣赏国画《梅石溪凫图》(宋)马远
课件展示:Flash动画《梅石溪凫图》、苏轼《惠崇春江晚景》朗诵录音和解析教学设计:Flash动画演示梅花怒放、群鸭戏水场景,点击梅花、群鸭局部放大,对比摄影梅花、鸭子进一步认识自然美与艺术美的关系,感受文学与艺术不同的特点。
课件展示:一组自然界蜂蝶、小鸟、昆虫迎春、闹春的摄影图片和音乐《鸟鸣》、女生合唱《春游》。
C、欣赏国画《春雨江南图》(现代)李可染
师:每逢看到春雨,农民伯伯总是说:“春雨贵如油”
我们要说,春雨美如画
而江南的雨景,无论是在画家的画中,还是在诗人的笔下,都别有一番情趣,意境深邃幽远。
宛如苏轼《望江南》词意“半壕春水一城花,烟雨暗千家”的写照。
课件展示:一组表现春雨的摄影图片、杜甫《春夜喜雨》朗诵录音和背景音乐《春游》
D、欣赏雕塑《春风》(现代)张德峰
课件展示:雕塑《春风》、音乐《望春风》、艾青散文《春姑娘》的朗诵录音
师:散文中描写的“春风”与雕塑《春风》表现的春风有何不同
生:散文是以“春风”写“春风”,雕塑《春风》则是将无形春风、春天有形化、具体化,刻画成三位青春少女,像春姑娘一样飘然而至,似乎看得见、摸得着,但也同样充满了美妙的诗意感受。
(三)课堂练习
请学生挑选自己熟悉的有关描写春天的诗词,简短交流、思考后,用语言描述自己如果用绘画来表现的画面效果。
例如:一树春风千万枝,嫩如金色软于丝。
雨前初见花间蕊,雨后全无叶底花。
蜂蝶纷纷过墙去,却疑春色在邻家。
等等。
(四)结束延趣、课堂小节阶段
课件展示:一组画家描绘的有关春天的作品背景音乐《湖上春来水沉碧》
师:同学们,今天我们在一起感受了春光,畅想了春天,同时也放飞了理想与希望。
“一年之计在于春”。
我们不仅要珍惜自然的春天,更要珍惜人生的春天,把握青春,振奋精神,鼓足干劲去学习、去创造
给 学生美术作品展 取个诗意的名字
雅风 学生美术作品展
中国美术史
第一章 原始美术
(一)原始陶器艺术
1、陶器及陶器的装饰手段
早期:以实用为目的,简单粗劣、种类少,
第二个时期:既有实用价值又有作为艺术品存在的价值,采用了彩绘、纹饰等装饰手段
第三个时期:种类繁多,造型丰富,镂孔、印纹等手法的应用。
2、我国新石器时代出土陶器的著名文化遗址
仰韶文化(彩陶代表,公元前4100-前2500左右)、
马家窑(前3300-前1800,分石岭下、马家窑、半山、马厂四个类型)、半山类型陶器代表新石器彩陶艺术的最高水平
大汶口、龙山(素面陶突出代表),大汶口3大显著特点:1、色泽多样化,2、黑陶制作成熟,3、雕刻技术发达镂孔随之发展、纹饰多样。
龙山文化使用了快轮制陶术。
河姆渡文化等。
3、新石器时代陶器的主要类型及风格特征
(风格上分黄河上游彩陶[仰韶、马家窑]、下游素面陶[大汶口、龙山])
仰韶陶器:在彩绘上表达美的意识和愿望,但受实用性的约束,形体变化不大。
龙山文化:表面装饰相对简单,但造型变化丰富。
许多器皿已摈弃了实用目的。
(二)原始绘画
1、原始陶绘艺术
分图案和图画两大类,图案居多,
2、早期地画、壁画、岩画
82年,秦安大地湾仰韶晚期遗址发现地画。
岩画:内蒙阴山岩画、广西花山岩画、连云港将军崖等
(三)原始雕塑
1、史前陶塑艺术品的造型种类
新石器时代雕塑有实用性和象征性两大特征,最具代表性的雕塑是玉器和陶塑。
陶塑造型有动物和人物两大种类。
2、新石器时代石雕刻的两个中心及主要风格
南北两个中心,南方为良渚文化,北方为红山文化。
南方良渚:采用平面浅浮雕和线刻结合的手法,描绘对象主要为宗教礼器上的神人像,造型庄重神圣,较强的宗教意味。
北方红山:采用圆雕的技法,描绘生活中或神化中的动物,造型生动活泼,带有较强的装饰性。
第二章 先秦美术
(一)先秦青铜艺术
1、夏商周三代青铜器的发展过程及各阶段的风格特征
2、青铜器的分类:按用途分:食器、酒器、水器、乐器、兵器等。
3、青铜器纹饰的主要分类及其特征:
动物(造型及主体装饰)和几何纹样(底纹或细部)两大类,
造型装饰特征:a、根据动物形态造型,被称之为“尊”;b、将人或动物形象与青铜器造型融为一体;c、以主体动物形象作为青铜器的附件
(二)先秦雕塑艺术
1、青铜雕塑的两种类型
a、以动物形象进行造型,大多表现与尊上,器物多为凝重宽博。
b、表现于器物的耳、盖、扣、嘴等附件上的立体雕塑。
2、简述先秦时期的雕塑艺术
就制作材料来看,大致可分为青铜雕塑、玉石雕塑、陶雕三类。
青铜雕塑主要指青铜器上的立体雕塑附件,可分为动物形象造型和器物附件立体雕塑。
玉石雕塑历史悠久,商代的成就最为显著,有大型大理石立雕,也有表现动物的小型雕塑
陶塑相对青铜玉石,为数较少,商代中期内容逐渐增加,商代后期以后由于玉石雕塑显著增多,陶塑大为减少。
(三)先秦绘画
1、三幅先秦帛画的名称、内容、性质
《龙凤人物图》长裙细腰女子,双手向前合掌,前上方画一龙一凤。
有引魂升天的性质。
《人物御龙图》危冠长袍侧身贵族,驾驭巨龙飞天的景象
《缯书》以文字为主,四周画有神及动物的形象。
最为突出的是三头人物形象。
2、战国帛画对后世人物画的影响
用笔用色等绘画创作实践上积累了一定的经验,墨线勾画人物的技法为后世传统绘画表现技法的发展奠定了一定的基础。
第三章 秦汉美术
(一)秦汉绘画
1、西汉长沙马王堆1号墓帛画的主题、特点
主题:乞求灵魂归天;具有浓厚的迷信色彩,有机的将三部分贯穿起来,罕见的表现手法,画面突出了墓主的高贵身份。
2、西汉长沙马王堆3号墓帛画的绘画技巧
绘画技巧:对人物形象的塑造能应用正侧半侧等多种手法。
3、山东金雀山西汉帛画的绘制方法
灵活运用淡墨线与朱砂线起稿,然后分别用各种色彩平涂。
(没骨画法的先驱)
4、秦汉墓室壁画兴起的原因
受壁画盛行风气的影响。
5、汉代墓室壁画的重要代表、主要表现题材
重要代表:河北望都1号东汉墓壁画,汉代帛画主要反映墓主企望升天以及表现死者生前的显赫生活。
题材有80多项,如城池幕府,乐舞百戏,庄园生产,孝子列女等等
6、汉代宫廷绘画的主要职能
出于宣传或政治目的
7、汉代文人画家代表人物
张衡,刘褒,蔡邕,赵歧等
(二)秦汉雕塑
1、秦代陶塑兵马俑的主要艺术特点
皆为手塑,风格写实,形象纯朴,总体布局上利用众多直立重复,气势雄伟。
2、汉代霍去病墓石刻的手法及代表性的石雕
手法上采用因材施雕的技巧,代表性的石雕是《马踏匈奴》
3、汉代陶俑的主要分类
王侯兵马俑,民间日用俑
4、汉代青铜塑像的杰出代表作品:《马踏飞燕》
(三)秦汉画像石、画像砖
1、画像石、画像砖的概念
画像石:以石为地,以刀代笔的绘画艺术。
画像砖:秦汉时代的建筑装饰构件
2、秦汉画像石、画像砖的两种制作方法
3、秦汉画像石、画像砖兴盛的原因
兴盛的原因:封建统治者为满足其奢侈生活或出于辅助政教的需要。
4、汉代画像石、画像砖的主要分布地区及艺术表现特征
画像砖西汉以洛阳、郑州为中心,东汉以湖南四川、江浙为多;画像石大致分布在山东江苏安徽的北部等当时的政治经济文化重地。
艺术表现特征。
5、汉代画像石、画像砖的题材与表现内容
a、反映劳动与生活的情景:如农民劳动场面、统治者奢华生活等。
b、反映历史故事与宗教神话传说的
(四)秦汉工艺美术
举例说明秦汉金属工艺、漆器工艺与染织刺绣工艺的艺术成就
如有名的“长信宫灯”,将人物造型、通烟、照明灯相结合,是审美与实用完美的统一。
P66未整理。
第四章 魏晋南北朝美术
(一)南传佛教美术
早期佛教造像南传系统的风格特点
源于秣莵罗风格,抽象、脸型短圆、眼球框较大,发型有螺状肉髻、螺发、肉髻三种。
(二)北方佛教美术
北方佛教造像几大石窟的艺术成就及造像风格特征
云冈石窟:造型气势雄伟,内容丰富,继承发展秦汉传统,吸取融合外来精华。
龙门石窟:云冈石窟的延续,风格汉化,表现手法更加纯熟,精巧。
巩县石窟寺:脸型方圆、体型丰腴,注重内在性情刻画。
敦煌莫高窟和麦积山石窟泥塑
南北响堂山、天龙山石窟:脸型圆浑、衣褶贴身、线条柔和、造型写实等
(三)魏晋南北朝绘画
1、魏晋南北朝绘画的代表人物及其风格特点、代表作品
曹不兴(较早的佛像知名画家)
卫协(曹不兴之徒,《史记伍子胥图》、《张仪像》等等)
戴逵(三马伯乐图、孔子弟子图)
顾恺之《女史箴图》《洛神赋图》《列女仁智图》
陆探微:风格秀骨清像,从师顾恺之
张僧繇:受佛教绘画的影响
将少游、杨子华、曹仲达
2、顾恺之的三件传世作品及主要内容、表现手法
《女史箴图》:绢本、墨画淡彩,横卷十二段,每段有葴文
《洛神赋图》:以连环画的长卷形式表现曹植《洛神赋》,采用勾染的表现手法
《列女仁智图》:用笔刚劲,强调晕染
3、魏晋南北朝时期山水画的发展状况
三水画在晋代成为了独立的画科,南北朝时,在理论和实践上都得到了进一步的成熟和完善,开启了隋唐山水画的繁荣局面。
(四)绘画理论
1、列举魏晋南北朝时期主要的几篇画论著作
顾恺之《画论》《魏晋胜流画赞》《画云台山记》,谢赫《古画品录》,宗炳《画山水序》,王薇《叙画》
2、山水画形成期宗炳、王微的两篇山水画论著作
宗炳《画山水序》,王薇《叙画》
3、顾恺之的三篇画论及主要论点
a、传神论,b、强调以形写神,c、迁想妙得。
4、谢赫的六
一、气韵生动,二、骨法用笔,三、应物象形,四、随类赋彩,五、经营位置,六、传移模写。
第五章 隋唐五代美术
(一)隋唐五代人物画
1、阎立本及其代表作品
唐初人物画最高水平的代表。
代表作品有:历代帝王图、步辇图、职贡图等
2、吴道子的作品、风格特征、艺术成就
送子天王图、地域变相图、伏生授经、鬼伯图
用笔遒劲神速,白描,以宗教人物画成就最著
3、尉迟乙僧的绘画特点
佛教画为主,西域特征。
4、张萱、周昉的仕女画作品及画风
张萱:捣练图、虢国夫人游春图,
画风:工整而妍巧,肥硕而浓丽。
周昉:簪花仕女图、纨扇仕女图
风格:衣裳简劲,彩色柔丽,以丰厚为体。
5、孙位及其作品
孙位《高逸图》
6、南唐著名的代表性画家及其作品
周文矩:《宫中图卷》《重屏会棋图》等
顾闳中:《韩熙载夜宴图》
王齐翰:《勘书图》
卫贤:《高士图》《闸口盘车图》
7、中国人物画的“四家样”及各自的风格
四家样:张僧繇、周肪、吴道子、曹仲达
风格。
(二)隋唐五代的山水画
1、隋展子虔的代表作品及其在山水画史上的意义
展子虔《游春图》,今存最早的一幅完整的三水画。
2、唐青绿山水画派画家李思训、李昭道及其作品
李思训及其子李昭道,父<江帆楼阁图>子<明皇幸蜀图><春山行旅图>
3、唐代水墨山水画的代表人物
王维、张璪、王洽等等
4、王维的山水画及技法特点
水墨渲染,诗中有画,画中有诗;体涉古今。
南宗画派鼻祖
5、五代北方山水画派代表人物荆浩、关仝及其作品、风格
荆浩:北方山水,《匡庐图》
关仝:师法荆浩 传《山豀待渡图》及《关山行旅图》笔愈简而气愈壮,景愈少而意愈长
6、五代南方山水画派代表人物董源、巨然及其作品、风格
董源:《潇湘图》《龙宿郊民图》《夏山图》等,擅长用披麻皴
巨然:董源弟子,其画轻岚淡墨、烟云流动。
(三)隋唐五代山水花鸟鞍马画
1、鞍马题材画家及代表作品
曹霸(作品今皆不存)
陈闳《八公图》
韦无忝(记载《习马图》《散马图》等皆不传世)
韩干《牧马图》《照夜白图》
韦偃《双骑图》
2、画牛名家及存世作品
韩滉《五牛图》、
戴蒿《斗牛图》
3、唐代花鸟画代表画家及艺术成就
薛稷:擅长画鹤、
殷仲容:擅书画
边鸾:花鸟画祖师
4、五代花鸟画“徐黄异体”指哪两种风格,各自有何特点
黄筌“黄家富贵”;首创没骨法
徐熙“徐家野逸”;线条为主 色彩为辅
(四)宗教墓室壁画及石刻线画
唐代宗教壁画和墓室壁画与当时绘画的相互影响。
(五)隋唐五代雕塑
1、唐代陵墓石雕艺术的代表
唐太宗的昭陵、高宗及武则天的乾陵、武则天母亲的顺陵
2、隋唐重要的雕塑家
韩伯通、宋法智、吴道子、杨惠之、张阿乾、王耐儿等。
3、唐代雕塑艺术的成就及对后世的影响
融会了南北朝时北方和南方雕塑艺术的成就,又通过丝绸之路汲取了域外艺术的养分,雕塑艺术到盛唐时大放异彩,创造出具有时代风格的不朽杰作。
主要表现在陵墓石雕、宗教雕塑、陶塑等。
宋代画家郭熙受杨惠之启发,创造了塑绘结合的“影壁”艺术。
(六)隋唐五代工艺美术
唐代陶瓷美术的代表作品
唐三彩:低温釉陶
第六章 宋元美术
(一)宋元山水画1、北宋四大家的代表作品及风格特点
1.李成:多写寒林平远风光,《读碑窠石图》气象萧疏 烟林清旷
2.范宽《溪山行旅图》,重山叠岭,雄奇壮伟,笔力坚实,山石作“雨点皴”
3.郭熙《早春图》以幽奇神奥取胜,布置巧妙,变化多端。
山石如“乱云”。
树如“蟹爪”
4.赵伯驹和赵伯骕兄弟:《江山秋》《万松金阙图》精工之极,又有士气。
2、郭熙山水画论《林泉高致集》的主要观点
提出“三远”构图置景法;即“高、深、平”提出山水画价值论
提出山水画学习方法 提出对山水美的观照 提出山水画对修养的积炼和对精神的涵摄作用
3、南宋四大家的代表作品及风格特点
李唐《万壑松风图》《清溪鱼隐图》大斧劈皴、水墨苍劲 刘松年:《四景山水》斯文 细腻
马远《踏歌图》一角构图、人物情节与山水结合 夏圭《山水十二景》善于半边取景
4、两宋其他的山水画家
许道宁、翟院深、王诜等,燕文贵,赵令穰,米芾父子,王希孟
萧照、马和之、江参等
5、元初赵孟頫的代表作品及画风
《鹊华秋》;倡古排宋、清雅朴素、书画结合。
6、赵孟頫倡导的“复古”的含义
提倡古意,力排南宋画风。
7、元四大家的代表作品、风格特征
黄公望《富村山居图》水墨或浅绛设色,表现江浙风光 吴镇《渔夫图》重用墨,多湿染。
倪瓒《渔庄秋霁图》多瘦树平坡 王蒙《青卞隐居图》千岩万壑、茂密高峻,构图多为高、深远
8、元代山水画的其他代表人物
钱选、高克恭、赵雍、曹知白、唐棣、朱德润、盛懋
(二)宋元人物画
1、北宋宗教人物画代表画家及其作品、艺术特点
武宗元、师法吴道子,《朝元仙仗图》
2、南宋减笔人物画的代表画家及其作品
梁楷《布袋和尚图》《李白行吟图》《六祖斫竹图》等
3、宋代风俗画的代表画家及其作品
张泽瑞《清明上河图》
4、元代人物画的代表画家
1钱选和赵孟頫古意画风 2张渥的白描人物 3王绎的肖像画 5、元代宗教壁画的代表
佛教的莫高窟3号窟和西藏寺庙壁画
道教的永乐宫壁画
(三)宋元花鸟画
1、宋代画院机构名称《翰
浅谈如何提高美术课堂教学的实效性
摘要:教学无痕,润物细无声。
美术教学的实效性非常重要,它表现在美术教学的方方面面,只要我们注重美术课堂中的“音乐情境、诗歌情境、生活情境、游戏情境”,才能大大提高学生学习美术的兴趣,从而达到美术课堂教学的实效性。
关键词:音乐情境 诗歌情境 生活情境 游戏情境 美术是人类文化的一个重要组成部分,与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系,新课程的美术教育强调培养学生学习兴趣,强调自主探究学习、合作学习,强调情感体验、注重学习过程,通过美术活动提高学生的整体素质,最终使学生学会学习、学会做人、终生受益。
这种教育要求美术教师在教学中重新定位角色,教师不仅是知识的传授者,更是学生学习的促进者、合作者、辅导者。
教学中我从学生的学习实际出发,注重创设课堂教学情境,设计实用有效、生动有趣的美术活动,让学生在情境教学中获得审美、愉悦,从而提高美术课堂教学的实效性。
一、利用音乐情境,提高课堂教学的实效性。
音乐与美术同属艺术范畴,记得哪位哲人说过:“一切艺术都趋向于音乐”。
而音乐与美术之间有许多可以融合的地方。
音乐中的音符高低起伏、快慢相间的组合产生旋律、节奏。
美术也一样,不同的色彩、线条,通过变化、交叉、叠加组合在一起,才会呈现出丰富多彩的画面。
音乐是时间的艺术,美术是空间的艺术。
在美术教学中穿插诗意的音乐,可以营造轻松、愉快、活泼的气氛,激发、促进学生想象力和创造力。
欣赏王文彬的油画《拾穗》时,让学生倾听《劳动最光荣》,一边欣赏热火朝天的劳动场面,一边观察人物的动态结构;如欣赏课中,我们一边听着古筝《高山流水》的弹奏,一边欣赏着董源、范宽的笔墨丹青;在欣赏约翰·斯特劳斯的圆舞曲《蓝色多瑙河》,一边欣赏梵高动人心魄、绚烂夺目的色彩魅力,一边为画家潦倒、贫困孤寂的一生感叹不已;上技能课时,我同样尝试用音乐的熏陶,比如:第九册《色彩的世界》,我先让学生欣赏几段音乐,感受音乐当中的情感,然后再转入美术的色彩情感,让学生觉得形与象相通;而在尝试用超现实主义的表现技法创造时,可以让学生一边欣赏米罗、达利的作品,一边欣赏爵士音乐或黑人强劲的鼓号声;如痴如醉的乐典无形地牵引着我们进入画境,感染画中的精神,画中的韵律,不仅使学生在感情上产生共鸣,而且提高了课堂教学的实效性。
二、利用诗歌情境,提高课堂教学的实效性。
古希腊诗人西摩尼得斯“把绘画称为无声的诗,把诗称为有声的画”。
中国山水画家强调“画中有诗,诗中有画”。
可见诗歌与绘画这二种艺术真称得上水融了。
把诗歌引入美术课堂,依据学生的丰富想象;把诗歌与绘画联系起来,去领略诗情画意,增强审美感受。
如在上第五册《四季歌》时,欣赏徐英槐的作品《月落乌啼霜满天》时,根据图意引入了张继的《枫桥夜泊》:“月落乌啼霜满天,江枫渔火对愁眠。
姑苏城外寒山寺,夜半钟声到客船。
整首诗写出诗人张继强烈的思乡情,这种“静与响、虚与实、远与近”有机的结合将国家的安危和个人的乡愁紧紧串联起来,创造出了情景交融的典型化艺术境界。
此画就是根据诗意而来,徐英槐所表现的就是一种非常大胆、出色的艺术创造。
又如,第五册《飞流直下三千尺》,欣赏李可染的《千岩竞秀,万壑争流》这一作品时,先提问:这副画里描写的主要是什么景物
看了这副画你想到了什么
在讨论的基础上出示李白的《望庐山瀑布》:“日照香炉生紫烟,遥看瀑布挂前川。
飞流直下三千尺,疑是银河落九天。
在欣赏作品之余,配上声情并茂的诗朗诵,把学生融入到极其诱人,美妙的诗情画意中,提高了学生的审美能力,为创新能力的形成打下坚实的基础。
图文欣赏是感性与理性统一的复杂的心理活动,欣赏者根据自己的生活经历、文化素养、审美观等,在对审美客体有所理解的基础上,通过感知、想象、情感、思维等心理活动,对审美客体进行再创造,构成脑中的审美意象唤起美感。
欣赏的目标不仅只是解读一幅作品,而是通过对一幅作品的赏析,提升欣赏者的审美能力。
通过联想、创造,从而培养学生的想象能力、创造能力。
联想绘画,领悟诗中用色的妙处,一幅优美的山水画就会跃然纸上。
诗画结合,使学生达到更高的意境和审美享受。
三、利用生活情境,提高课堂教学的实效性。
我国教育家陈鹤琴先生早就提出“大自然,大社会是我们的活教材”;“美就在生活中,美就在自然里”。
好的校园生活应该是学生身心舒展、思想活跃的生活,充实而有成就感的生活,随时可获得各种关爱和帮助的生活。
正如陶行知先生所说,好的生活就是好的教育。
艺术贵在完全可以“学以致用”,将生活中那些为学生喜闻乐见的形式拿过来,用于教学,是完全可能的。
开发学生身边的课程资源,设计艺术生活化的教学活动。
在美术教学中,我时时注意联系生活实际创设一些生活情境,使学生在积极的情感体验中提高想象力和创造力,增强审美意识和审美能力。
学习美术,闭门造车是不行的,还得走出室外,到社会中去。
一是体验生活,深入观察,掘取素材,捕捉创作灵感。
二是与人交流,互相切磋,感悟美术的真谛,不断提高。
如第七册《台灯设计》一课,当同学们做完各种造型台灯时,我们模拟了一个买卖台灯的现场,一部分同学叫卖,一部分同学当顾客买台灯。
在买卖的过程中,用语言交流,使自评互评在游戏中有趣地进行,远远超过了只是老师批改作业的范围,学生创作热情大,把自己溶入现实生活,让美术教学与社会生活紧密结合,让评价在交流中展开,使学生感受到实用美术的真谛。
另外要引导学生在大自然中吸取审美的营养。
如第四册《春天来了》一课,天气晴朗,地点设在室外,让学生融入大自然中,亲自去闻一闻花香,摸摸花草树木,这样他们会很兴奋。
因为这里有着作者的寓意。
课堂上看一看,听一听,闻一闻,摸一摸,尝一尝,让学习生动,让学生心动,心动而产生美感体验,从而使学生树立牢固的实践观,使学生的创造力和创新精神在实践中获得培养与校正。
要让学生创造美,要让学生感受到美。
美,无处不在;无时不有。
美,需要我们去发现;美,需要我们去鉴赏;美,需要我们去传导;美,需要我们去创造。
大师贝多芬说过:“自然是培养心胸的学校。
对儿童来讲,只有当美术学习是一个自然而快乐的过程时,他们才能永葆探索的兴趣和热情,把美术学习变成一种生活的需要。
教师需要给他们充分的自由,提供多样的表现机会,他们才能焕发出惊人的创造力和表现力,去探索世界,从而提高课堂教学的实效性。
四、利用游戏情境,提高课堂教学的实效性。
爱动是孩子的天性,游戏是孩子的最爱。
游戏化的课堂教学能使学生学得更轻松,更开心,使他们的个性得到充分表现,还有助于激发学生的学习兴趣,因为有了兴趣学生才会主动参与到教学中来,成为学习的主人。
所以,在教学中,运用学生喜闻乐见的游戏方式来激发学生学习的欲望,使学生主动参与学习,努力对未知领域进行探索。
如第三册中的《好大的向日葵》一课,可以将本课设计成四个环节,即学生要创的四关,每一关都有学生喜欢的卡通人物为他们助威。
第一关:你会画向日葵吗
第二关:比一比谁画的向日葵最美
第三关:比一比谁画的最向日葵最大
(都说自己的向日葵大,没办法比)问题出来了,怎么解决呢
第四关:你画的向日葵究竟有多大
怎么才能看出来
你能想办法让你的最向日葵大吗
(学生讨论)学生热情高涨。
这样,学生在游戏中获得了创作的快乐。
关注尊重每一个学生,为他们创设一个展示的舞台,让他们在学习活动中发挥自身的创造潜能,在体验中感受美、创造美。
法国雕塑家罗丹说:“美是到处都有的,对于我们的眼睛,不是缺少美,而是缺少发现”。
古人说:“学起于思,思源于疑”。
美术课堂教学对于开发学生的学习潜力,培养学生的创新意识和创新能力都起到很大的作用。
在今后的美术课堂教学中,我将与各位同行一起探索、研究、实践,不断提高小学美术课堂教学的实效性。
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第14课 百花齐放 推陈出新—中国现代美术
一、教材分析
(一)教学目标
1.了解中国近代美术概况。
2.知道中国近代绘画、雕塑的代表性的美术家及其代表作品好在哪里。
(二)内容结构
本课开篇对中国现代美术予以界定,指1919年“五四运动”起始至今的美术,主要指20世纪的中国美术。
其后,课文分别介绍中国现代绘画和中国现代雕塑两大美术门类的概况、代表美术家及其代表作品。
1.兼容并蓄的中国现代绘画
第1自然段:介绍中国现代绘画概况。
第2-4自然段,介绍中国画在20世纪形成两种类型,分别介绍传统型中国画和融合型中国画及其代表画家与代表作品。
第5-6自然段,介绍油画的概况、代表画家及其代表作品。
第7自然段,介绍“创作版画”的概况、代表画家及其代表作品。
第8自然段,介绍“中西结合”的新品种新样式的绘画及其代表画家、作品。
第9自然段,简略介绍近年来绘画的新探索。
2.再塑民族精神的中国现代雕塑
第1自然段:指出中国现代雕塑成就主要是在新中国成立后取得的,介绍20世纪50年代雕塑成就及代表作品。
第2-3自然段,介绍20世纪80年代至今雕塑快速发展,并列举一些有影响的作品。
(三)教学的重点与难点
1.教学重点
(1)中国现代绘画呈兼容并蓄、百花齐放的局面,中国画、油画、版画概况,代表画家及其代表作品。
(2)中国现代雕塑迅猛发展,介绍、分析有影响的作品。
2.教学难点
(1)传统型与融合型的中国画,创作版画,架上雕塑,纪念雕塑等名词。
(2)分析、理解作品。
二、教学内容资料
(一)作品分析
蛙声十里出山泉(中国画)齐白石
齐白石(1863—1957)原名纯芝,小名阿芝,后名璜,号濒生,别号白石山人、杏子坞老民、星塘老屋后人、三百石印富翁等。
1863年11月22日生于湖南湘潭县杏子坞星斗塘一贫苦农民家庭。
8岁时曾随外祖父读村学,1年后因家贫而辍学,在家放牛砍柴。
15岁拜师学木匠,始为粗木工,后为细木工,以擅雕花名闻乡里。
21岁时得《芥子园画谱》,有空时便临摹。
27时才拜师学画,继而学诗、学篆刻。
他曾在70岁时写过一首《往事示儿辈》诗:“村书无角宿缘迟,廿七年华始有师。
灯盏无油何害事,自烧松火读唐诗。
他又在《记罗山往事》诗中叙述学篆刻时的情景:“石潭旧事等心孩,磨石书堂水亦灾。
对此自注:“余学刻印,刻后复磨,磨后又刻。
客室成泥,欲就干,移于东复移于西,移于四方,通室必成泥底。
由此可见齐白石苦学钻研的精神。
40岁以后5次云游祖国南北各地,积累了不少创作素材和画稿。
50多岁后定居北京,以卖画为生,并锐意进取,立志创新。
1922年陈师曾首次将齐白石的画介绍到日本,1927年北平艺术专科学术校长聘请齐白石任中国画教授。
1937年“七•七”事变,齐白石辞去一切教职,闭门居家。
1939年,为了拒绝大小敌伪头目纠缠索画,在大门上贴一纸条:“白石老人心病复作,停止见客”,“画不卖与官家,窃恐不祥”。
1944年,停止卖画,并以“寿高不死羞为贼,不丑长安作饿饕”的诗句,表示宁可挨饿,也不取媚恶人丑类。
这一年他写了不少抒写亡国之愤的诗,如《题胡冷庵(胡佩衡)山水卷》:“对君斯册感当年,撞破金瓯国可怜,灯下再三挥泪看,中华无此整山川。
1949年新中国成立后,画家欣喜作画颇多。
1951年,参加抗美援朝义卖画展,画和平鸽,并题“愿世界人都如此鸟”。
1952年,被聘为中央美术学院名誉教授。
1953年中央文化部授予他“人民艺术家”荣誉奖状。
同年,被选为中国美术家协会主席。
1956年荣获世界和平理事会颁发的1955年国际和平奖金。
1957年9月16日逝世于北京。
齐白石的绘画,以画花鸟草虫为多,且兼工、写两种画风,皆造诣高深。
而他的写意人物画与山水画,在艺术上的成就也毫不逊色甚至更为突出。
简括、传神、充满人情味和幽默感是他写意人物画的特色;他的山水画匠心独运,境界新奇而充满诗意,自成一家。
他对绘画艺术的突出贡献,是将质朴天真的劳动人民的思想情感和传统的文人画有机地结合在一起,使他的绘画具有雅俗共赏的特点。
此外,他在诗、书、印等方面也造诣高深。
(参照《中国大百科全书•美术卷》编写)
《蛙声十里出山泉》这件作品,是1953年文学家老舍请白石老人以诗句“蛙声十里出山泉”为题作画。
如何将很远处的蛙声表现出来,一时也难住了年逾90高龄的老画家。
老人经过两天两夜的冥思苦想,突然从“出山泉”三字中获得灵感,决定在“泉”字上做文章,据此,成就了这一名画。
他在竖幅的画面上没有画蛙,而是画高山峡谷间由泉水汇成的一股溪流,由远而近流淌下来,溪水中几只活泼的小蝌蚪,离开源头,顺着湍急的水流欢快地游来。
观者见到蝌蚪自然联想到源头的青蛙,仿佛蛙声也在顺着峡谷、随着溪流,由远处隐隐传来,真乃没有蛙声胜过蛙声。
这富有想像力的构思,巧妙而贴切地表达了诗意,显示了画家对农村生活的熟悉和继承中国自古强调表达诗意的绘画传统。
据记载,宋代画院录用画家的考试,多以诗句为题,如“竹锁桥边卖酒家”,众考生多在酒家上下功夫,一个叫李唐的考生则画桥头外挂一酒帘,将“锁”意表达了出来,深得皇上赏识;又如“踏花归去马蹄香”,众试者多画马、画花,有一人画数只蝴蝶飞逐马后,也深得皇上满意;再如考“野水无人渡,孤舟尽日横”,第二名以下者多画空舟系于岸边,或鹭鸶缩于舷间,或乌鸦立于篷背,意在舟中无人,然考第一名者则画一孤舟,船夫卧于船尾,身旁横一孤笛,以示终日无游客,船夫曾吹笛解闷,后吹笛也腻烦了,而卧于船尾睡起觉来,这样便将“无人渡”和“尽日横”双层意思都表现出来。
虽然这些诗意画我们见不到了,但齐白石的《蛙声十里出山泉》却让我们领略了诗意画的妙趣。
画家在技法处理上,采用狭长的竖幅构图,以大笔浓墨在纸卷两边画出峡谷山石,中间留出曲折的空白为小溪,其间以流畅的曲线画出溪水急湍的流动感,仅用一两笔重墨便画出溪流中蝌蚪的活泼可爱的游姿。
这些都显示了大师的不凡的艺术功力与技巧。
山水册页(中国画)黄宾虹
黄宾虹(1865—1955)原藉安徽歙县,生于浙江金华。
自幼攻诗、经、书、画及篆刻,青少年辗转求师,奠定浓厚的文化修养和艺术功力。
中年“激于时事,戊戌变法、辛亥革命,皆有参与”。
后长期定居上海也曾在北京和杭州,从事文化出版、书画鉴定和美术教育工作。
他在古文字学、画史画论等方面造诣颇深,著述甚丰。
在绘画方面,50岁之前,广学古人,努力继承艺术传统。
50岁—70岁左右,游历祖国名山大川,如他曾八上黄山。
其一生旅行游记画稿在万件以上。
70岁后在深刻理解传统基础上大变画法,技法上以用墨见长,笔墨层层积累,具有“黑、密、厚、重”的特点。
其独特的“深厚华滋”的艺术风格,不仅丰富了中国山水画的表现力,而且在中国画的发展中起着承前启后、继往开来的作用。
90岁时,文化部给他颁发了奖状,称他是“中国人民优秀的画家”。
黄宾虹一生画过很多山水册页。
这件《山水册页》是他晚年时期的作品,具有“深厚华滋”的典型面貌。
构图上,山偏左侧,占据全画大部面积。
画家用似不经意、随意挥毫的笔法勾勒轮廓,线条却苍劲流畅,再用浓淡墨色点染相积,给人以山上杂树参差丛生、植被丰厚郁郁葱葱之感。
局部裸露山石和山间房舍留为空白,成为画中“气眼”,使墨密黑沉的画面有了活气。
画家利用虚实相生的效果使下部与右侧大片空白为水,远山及前景小船用笔极淡,与画面主体之山形成鲜明对比。
画家的这幅册页山水,既不是描绘哪处具体的自然山水,也不是毫无根据地主观臆造,而是对自然山川了然于胸之后,离象取神,表达心象之山水的神来之笔,是不求貌肖的神似之作。
他用积墨,意在墨中求层次,以表现山川之浑然元气。
画的色调浓重却能给人以亮的感觉,这是因为画家巧妙地运用虚中有实、实中有虚和黑中留白之技巧。
在层层积墨加深之后,形成墨中有墨、色中有色、色墨交融,使深沉中蕴藏着墨色的神奇变幻,把积墨的应用和表现发挥到极致。
记写雁荡山花(中国画)潘天寿
潘天寿(1897—1971),原名天授,字大颐,号寿者,晚年常署颐者、雷婆头峰寿者,浙江宁海县冠庄人,是中国现代最杰出的中国画家和美术教育家之一。
他精于写意花鸟,兼作山水画、人物画,又擅长书法、篆刻,特别是“指画”。
他对中国绘画史和绘画理论也有很深的研究和独到的见解。
他的花鸟画别开生面,独树一帜,具有浑雄奇崛、苍古高华的艺术风格。
他常用的闲章“强其骨”,概括了他的审美追求—以骨气、骨力取胜。
他的画不论构图、用笔,都追求雄强、豪壮、气势之美。
强其骨即讲求力之美。
我国清末以来的文人画多巧而秀媚,缺乏骨力与气魄,而潘天寿的中国画,不论是画劲松修竹、山花野草,还是画翠鸟鹰鹫、崇岭巨石,无不具有豪放的气势。
这不仅是他正直倔强的个性的表现,也是近代中国仁人志士欲以雄力改造世界的崇高理想的曲折反映。
在潘天寿的作品中,所画的都是常见的题材,但这些最平凡的东西,经他的点化,便具有了特殊的艺术魅力。
尤其是那些不为人们注意的山花野草,他都寄予无限的热情,信手画来,总是表现得那么新颖别致、优美动人,真有一种化平凡为神奇的杰出才能。
这幅《记写雁荡山花》便是一个突出的例证。
他从深入雁荡山写生得来的这些山花幽草的细微题材,居然被他化为气势磅礴的巨制。
为了使这些山花幽草表现得更鲜明突出,他采用双勾重彩画法,与大笔浓墨的写意岩石,取得粗细、刚柔、黑白、青红的强烈对比,并巧妙地使之达到对立统一,产生丰富的变化和动人的艺术效果,同时创造了花卉与山水结合的独特形式,以小见大,以平见奇。
群马图(中国画)徐悲鸿
徐悲鸿(1895—1953),江苏宜兴人。
父亲是个穷画家,幼年随父亲学画。
17岁时在宜兴女子师范学校任图画教师。
1914年5月曾去日本学习美术,年底回国应聘北京大学画法研究会导师,受新文化运动影响,接受与科学思想,曾写《中国画改良论》一文,提出“西方绘画之可采入者融之”,并奠定了以写实绘画改良中国画的。
1919年赴法留学,选学写实艺术,拒绝“现代主义”艺术,并认准只有写实绘画才能扭转中国画的关在家中的模仿之风,使他在“为人生而艺术”的实写的道路上坚持走下去。
1927年回国,任上海南国艺术学院美术系主任。
1929年任北京大学艺术学院院长,1933—1934年受欧洲诸国之邀,在多国举办中国画展和个人画展。
以后又在国内外多次举办个人画展。
徐悲鸿自从留学归国后,坚持倡导写实主义,抨击形式主义,他的作品是他艺术主张的最好见证。
此间创作的油画《田横五百士》、《我后》,尤其中国画《九方皋》、《晨曲》、《逆风》、《风雨鸡鸣》、《漓江春雨》、《巴人汲水》、《群马》、《群狮》、《愚公移山》等开创了写实绘画新风。
抗战期间,他搞义卖画展,将全部收入慰劳前方抗日将士。
1946年,出任北平艺术专科学校校长。
1949年当选中国美术家协会主席,出任中央美术学院院长。
徐悲鸿坚持中国画师法造化的传统,反对因袭模仿,对传统中国画样式、技巧和造型,用科学的比例、解剖和透视等法则加以改造,以写实的“惟妙惟肖”替代文人画的“不求形似”的“不似之似”。
由于徐悲鸿的素描及油画功底深厚,能在中国画创作中融进西法,显示写实艺术之美,而深受人们的欢迎。
所以他倡导和推动的写实主义运动能影响一代人和中国美术界。
《群马图》是1940年徐悲鸿应印度大诗人泰戈尔之邀赴印度国际大学讲学时,闻及国内鄂北大捷时欣然命笔创作的,他在画面左上角题写“鄂北大捷豪兴勃发”,反映了画家对当时的抗日战争所取得的胜利无比欢欣的心情。
画中四匹骏马,姿态各异,静中有动,透出一股内在的力量,使人感到有一种不可阻挡的气势。
徐悲鸿曾说过,“人不可有傲气,但不可无傲骨”。
画家将这种“傲骨”注入马的形象,使马的骏气中勃发着生命之美,艺术形象中孕含的精神力量感染了观众。
该画的构图取方形,四骏有聚有散地占据画面的主要空间,下部用淡绿轻扫数笔为近处青草,其余处空白便令人产生草原辽阔之感。
四匹骏马前三匹昂首竖耳,似有警觉,后一匹低头吃草,使之动态有对比。
由于画家熟悉马的解剖,在画马技法上,用粗细有别的浓墨线条,精练准确地画出马的形体结构,又用浓淡不同的墨色大笔寥寥渲染出躯体的明暗起伏,这种融入西法的表现,加强了马的体积感。
画马鬃及马尾的豪放用笔,增强动感和表现力度。
这种新面貌的中国画成功地刻画了形象,传达出作者的强烈情感,在当时给人以耳目一新、令人振奋的感觉。
徐悲鸿之所以能将马画得如此生动,且以画马闻名中外,可从他给一位爱画马的少年的信中找到答案。
信中说:“我爱画动物,皆对实物用过极长时间的功。
即以马论,速写不下千幅,并学过马的解剖,熟悉马之骨架肌肉组织,夫然后详审其动态及神情,方能有得...