花鸟画作品(花鸟画作品赏析)

如何评价水墨作品

水墨画：是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。

基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。

后者有时也称为彩墨画。

在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。

别有一番韵味称为“墨韵”。

而形成水墨为主的一种绘画形式。

（1）拼音：shuǐ mò huà 张东林《太行苏醒》[1]

（2）词义：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，也称国画，[2]中国画。

（3）英文：Chinese Brush Painting中国画的一种。

指纯用水墨所作之画。

相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。

以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。

“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。

北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。

就是说的水墨画。

唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。

唐代王维对画体提后人宗之。

长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。

水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。

从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。

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杭州图书馆

写意花鸟画有哪些特点。

写意花鸟画即用简练概括的手法绘写花鸟的一种中国传统绘画方法

写意花鸟画创作，主要是利用线来表达物象。

通过用笔的技巧，要求从事物的线的复杂状态中，泯灭具体形和线的特征，而能看到物体本质精神。

要求用笔所描写出来的线不借皴擦晕染而能表达现实物象，笔简意繁，态随意变，一转一束都有意趣。

前人所谓的“寓刚健于婀娜之中，行遒劲于婉媚之内”，说的就是用笔方法的具体体现。

所谓笔尽力不尽，气见笔不见，皆从运笔中得之。

运笔讲究中锋、侧锋、逆锋和战笔（渴毫）。

中锋要求落笔中正，不偏不欹，用笔要圆劲而有韧力，不险怪妄生圭角。

一般描写一切有定形的东西多用之。

侧锋要求落笔偏侧横扫，可用来描写不定形的坡石、树干。

逆锋多是改变正常的运笔方向，以增加笔触的苍浑感。

战笔是中锋落笔，是在战动中运行。

宜于写定形的房屋、桥梁、建筑和勾勒花叶，可避免线的刻板，并增加涩拙的趣味。

一般战笔宜斟酌用渴墨，有时也可根据需要选择适当的墨色。

与工笔花鸟画用笔讲究挺健有韧力不同，写意花鸟画的川笔，要求华润，松活，灵变，沉着、洒脱、挺拔。

刚健，遒劲、浑融，生涩，苍老，总之要具有变化，要有活泼的生命力。

作者随着表现现实事物的需要而变换技法，通过轻重，深浅、虚实来体现。

要轻中带刚，一笔三战，有皴擦，有顿挫、有勾斫，笔断意连，一气贯穿。

使用种种用笔手法，达到在画面上取得既没有浊污的笔痕，又无模糊不清的效果，使人看到的不是笔墨而是具体物象的神和作者的意。

简单而言，写意花鸟的核心在于用简单的线条，颜色来构建意象，通过墨色的浓淡，线条的曲张，以及空间的变化来营造意境，表达感情。

这是最突出的特点，也是最区别于工笔花鸟的特点。

秦天柱的著名花鸟书画家秦天柱诸多名家评语引

在繁多的花鸟画中，秦天柱的画格调清新、节奏明快、构图严谨，使你感到有一股灵气，仿佛又齐白石，仿佛又潘天寿，仿佛又古代别的什么大师的影子。

然而定睛一看，确又分明是他自己。

毋庸置疑，秦天柱在研究中国艺术之传统，在继承传统之精华，在精华中凝练新意，并将新意融贯于生活方面是下过一番功夫的。

黄胄画家将自己的情感深深地融入大自然，其热爱自然之情跃然纸上，他用极具个性的笔墨营造出一派生机，天趣盎然。

画中每个元素都宛如一个音符，在先生的精心编排下演绎出了一部和谐的自然音画交响诗

闫明海

秦天柱的绘画仿佛是在寂寞与孤独中表白着自己。

他那优雅的小品成为中国当代花鸟绘画园地里倔强不屈的野花，纯洁而高雅，展露出中国绘画的野逸境界。

康征

先生不老也说不上年轻，半百半翁，于艺亦谦，总言半醒，半醒的好，知足与不足矣。

比之时下“大师”们动兀“炉火纯青”的叫闹不醒已然足矣。

吴冰

多年来，秦天柱作画总是竭力避免重复自已已有的表现方式，抛开前人他人固有的一些模式，完全从对生活的感情出发，从而形成自己独特的风格，空灵而富有生气，在传统的基础上凝炼了独特的新意，受到了众多名家的赞赏。

微鸣

秦天柱善于掘取大自然中咀含着的花之华，鸟之精灵为其创作对象，作品影响面广，深得大家喜爱，倍受美术界泰斗李少言、黄胄、蔡若虹等前辈推崇和赞赏，能得到这种褒奖的画家是不多见的。

王思恕

天柱的画，不论数丈句图或是盈尺小品，往往会给人以这类确切又不太确切的意念。

然而却正是在这确切与不确切间有真意在，宛如夜霭虽藏了新月，月儿却并非因之消逝一般。

汪晓灵

他聪敏，爱动脑筋，有主意，也善言谈，谈笑话—看的出来，这种活跃是摹仿我的。

当然惟妙惟肖的摹仿，这恰是艺术家不可少的能力。

天林

一种活力，一种天然的美。

人们在观赏天柱的花鸟画时，每每感叹于他在布局的精巧和笔墨的灵活，感叹于他笔下生灵的可爱。

殊不知，即便在闲暇之时，他也在进行另一种形式的艺术创作。

古人有所谓『落花流水皆成文」之说不错。

田旭中

不激不励而风规自远。

这是难得的睿智，乐观向上，冲淡平和，悟后起修，理趣两融。

实在说来，你读天柱之画，美与智，一个也不能放过。

所谓天工人艺两争妍，艺欲高须法自然。

法得自然真妙处，人工自可妙于天。

沈作常

秦天柱的水墨作品既有大家气派，同时也具有高度的思想性。

秦天柱擅长水墨画的钻研，注重观察生活实录，认真对待写生，并吸取其它画种的表现手法，力求形成自己的画风。

米岂

画作的画貌就是画家的面貌，画作的表情就是画家的表情。

此时你也许会感悟出那种清灵与简约就是这样薰染浸泡出来的。

罗缋沅

秦天柱技法很全面，风格面貌不拘一格，经常探索多种表现语言，而不是死守一种模式。

秦天柱十分注意不同技法与不同风格形象的揉和。

林木

从秦天柱同志的作品中可以看出，他坚定立足于民族，善于广采博取，借鉴兄弟艺术之长“为我所用”。

他不脱离传统，也不囿于传统，不断地探索，不断地创新。

他在笔墨技巧里，在花鸟画惯见的题材中融入自己的思考，形成了他个人的风貌。

李少言

天柱先生的花鸟画，已成为一种“秦式符号”，而名播海内外。

有一段话将秦先生的绘画、人品用三个字概括，这三个字，即：净、静、境。

李可峻

你以炽热的情感，丰富的想象力，挥默倾彩，醉心于泼墨大写意，将大自然中的飞禽虫鱼、春藤花草淋漓尽至地跃然于宣纸上。

李春梦

扎实的基本功赢来泼墨写意的自由，他熟练地运用点、线、面得艺术语言，从大至搏击长空的雄鹰，到留连溪畔的翠鸟，草叶间的昆虫，抓住对象一瞬间的动态变化，要塑造永恒的艺术魅力。

李春梦

观秦天柱的画，我以为可以有“弄拙成巧，天工清新”八个大字来概括。

我想，不论“弄巧成拙”也好，或是“弄拙成巧”也好，要紧的是探索与创造。

“溺水三千，我取一瓢”。

在认定目标后，重要的是实践，反复锤炼，艰苦磨砺。

秦天柱已在“拙”与“巧”的冲突中选择了自己的方式，形成了自己独特的艺术风格，他在以后“弄巧成拙”或“弄拙成巧”的探索中，在诗情与画意的交汇中，必将创造出一个更为清新的境界。

邓嘉德

正如黄胄先生所说：“秦天柱在研究中国艺术之传统，在继承传统之精华，在精华中凝练新意，并将新意融贯于创造方面是下过功夫的”。

而在我看来，秦先生不仅在艺术上以平和的心孜孜以求，在生活上他也在平和中经营，他的艺术离不开生活。

陈忱

秦天柱花鸟画的艺术追求和美学特征从中看出其非同凡响的学术价值和启示意义了。

曹玉林

你看，在他的作品里，很难找出一般化的形象。

他善于表现描写对象的特点，善于捕捉那种转瞬即逝而又令人心神关注的东西，他画的小鸟是刚刚在竹枝上落脚又想马上飞去的；他画的小猫，有那种凝目注视蠢蠢欲动的姿势…寥寥数笔，情趣盎然

没有丰富的生活感受和熟练的笔下功夫，是很难达到这种艺术境界的。

蔡若虹

莫道塞外风冷

莫道峨眉山远

蝉声叫我秋浓

鹤梦令你心颤

阿古拉泰

先生借来西方画理和技术—光学和透视学的运用使得画面不再刻板；发挥院体画修来的精湛笔墨工夫—细笔勾画，“随类赋彩”。

透明的羽翼，弹性的触须，有力的腿与爪，笔下昆虫精妙入微，活灵活现。

吴克勤

以写意花鸟独步当今画坛的秦天柱其清新淡雅、疏朗空灵的画风远溯梁楷、法常，下至青藤、八大、石涛、虚谷、任伯年、吴昌硕、齐白石、潘天寿等，构图简洁、笔墨简练是作品最大的特色，但与传统文人画的逸笔草草又有所不同。

吴克勤

日本美术家矢代幸雄，在探究了东方水墨画的心理后说，“万一在精神中存在着色的话，那只能是东方的墨色。

天柱笔下那些墨色所绘的陶瓷瓶罐，文玩器物，没有真实的花纹和细节，却包蕴了一层神秘的精神色彩。

一种禅意的幽微。

陈光建

斯图之成，为天柱之仁心乎

因先生之诚意乎

余不得而知。

百鸟齐集，乃大喜之兆也

陈光建

构图运笔有传统文化深厚的内涵，笔墨清新淡雅极富韵味。

田子镒

著名花鸟画有哪些

你是问古代流传下来的还是近代的比较好的画

古代流传下来的我就不知道了，不过现代的周彦生先生的倒是很不错

关于画家徐悲鸿的评价

徐悲鸿先生是中国现代美术的奠基者。

他的作品熔古今中外技法于一炉，显示了极高的艺术技巧和广搏的艺术修养，是古为今用、洋为中用的典范，在我国美术史上起到了承前启后、继往开来的巨大作用。

他擅长素描、油画、中国画。

他把西方艺术手法融入到中国画中，创造了新颖而独特的风格。

他的素描和油画则渗入了中国画的笔墨韵味。

他的创作题材广泛，山水、花鸟、走兽、人物、历史、神话，无不落笔有神，栩栩如生。

他的代表作油画《田横五百士》、《徯我后》、中国画《九方皋》、《愚公移山》等巨幅作品，充满了爱国主义情怀和对劳动人民的同情，表现了人民群众坚韧不拔的毅力和威武不屈的精神，表达了对民族危亡的忧愤和对光明解放的向往。

他常画的奔马、雄狮、晨鸡等，给人以生机和力量，表现了令人振奋的积极精神。

尤其他的奔马，更是驰誉世界，几近成了现代中国画的象征和标志。

徐悲鸿长期致力于美术教育工作。

他发现和团结了众多的美术界著名人士。

他培养的学生中人材辈出，许多已成为著名艺术家，成为中国美术界的中坚骨干。

他对中国美术队伍的建设和中国美术事业的发展作出的卓越贡献，无与伦比，影响深远。

谈谈中国画的意象美

意象这个概念在中华大地上有着悠久的历史，它是我们祖先对自然万象审视精神和思维方法的总结，同时它也赋予我国审美、艺术构思和绘画表现的特色。

意象，在现代汉语词典里是“客观形象与主观心灵的融合而带有某种意蕴与情调的东西”。

《中华美学大辞典》中这样解释道：“意象，美学范畴。

⑴指文艺家构思的意趣和物象的契合。

梁刘勰《文心雕龙•神思》‘独照之匠，窥意象而运斤。

⑵指艺术形象。

⑶指饶有意味、饱含情思、充满理趣的形象。

‘言征实则寡味也，情直致而难动物也，故示以意象，使人思而咀之，感而契之，邈哉深矣。

（《王氏家藏集》卷二十八《与郭价夫学士论诗书》）”。

①而西方人则认为“具象和抽象为两极，意象置于其中。

根据物体表象特征减少和主观因素增多的趋势，由两极的具象和抽象确定一个尺度，中间部分就是意象范畴”。

②概括来讲，意象是指客观事物反映到画家的主观意识里面，并经过一番处理的影象，是画家主观的意念、情感、创作手法和客观的事物包括一切人景物等形象的统一体，也就是“象”和“意”的融合。

这样看来，中国画艺术确实最具“意象”特征。

传统中国画的审美特征用一个词来概括那就是“意象性”。

虽然在传统中国画的发展过程中也出现过写实的表现形式，但终究没有形成主流，意象形态可以说是中国传统绘画的精髓，这也是中国传统绘画观念同西洋传统绘画观念本质上的差异。

中国画重在表意，强调主体的特征，与西方绘画重在摹仿，强调客体，显然有别。

追根求源，我们就不得不从中国先哲的思想谈起，因为中国画的精神、画理、思维方法以至表现手法无不受其影响，它可谓是中国画产生和发展的主要根基。

自古以来有关的绘画理论虽然说法不同而宗旨都一样，中国画一直是主张意象创作的。

二

在中国先哲的思想中对中国画产生巨大影响的首推道家思想，意象之说中的所谓的“象”就是来自于中国道家的太极思想，中国画的艺术理论正是受到太极阴阳关系的影响，同时又融入了人的主观意识，才产生了中国画对“象”的认识。

在中国古代儒家学派的经典著作《周易》中也强调“圣人立象以尽意”，法家代表著作《韩非子》中云“人稀见生象也，而得生象之骨案，其图以想其生也，故诸人之所以意想皆谓之像也”，从中我们已能体会到“意象”指的是人们对客观物象的主观意念和想象。

到梁刘勰终于首次提出“意象”概念，指明了绘画创作中“物我感应”的关系。

而东晋大画家顾恺之关于“迁想妙得”的艺术创作主张，可以说是对中国画“意象性”的最贴切的诠释了。

“一幅画既然不仅仅描写外形，而且要表现出内在神情，就要靠内心的体会，把自己的想象迁入对象形象内部去，这就叫‘迁想’；经过一番曲折之后，把握了对象的真正神情，是为‘妙得’。

颊上三毛，可以说是‘迁想妙得’了—也就是把客观对象真正特征，把客观对象的内在精神表现出来了。

③这种经过画家主观创造、反映物象内在精神的画面自然是具备意象趣味的。

随后南齐谢赫提出了“六法”论几乎涉及了绘画的所有问题，中国画的“意象性”不言而喻。

唐代张璪的“外师造化，中得心源”更是把画家胸中意象的产生描绘得精辟而独到。

北宋苏东坡诗云：“论画以形似，见与儿童邻”，画家旨在以有限的形表达无限的神，追求一种“天人合一”的意象妙境。

后来倪云林的“逸笔草草，不求形似”、黄宾虹的“惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画”和白石老人的“妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”均指此意。

④

三

虽然中国先哲思想的宗旨和对绘画影响的方向性是一致的，但“意象”这一特质在中国画中的不同画种中的反映却是不尽相同的。

其中的水墨画本身就是介于似与不似之间，这样的写意性自然就体现了意象趣味，而工笔画这一画种的特点是以其严谨的方式来表现对象、抒发性情，所以它主要是以其独特的装饰性来呈现其特殊的意趣，舍此便难以展现。

在中国水墨画的表现中，用笔用墨、构图中的留白、取景造型等等都是讲究意象性的。

画家一笔画下去可称之为树干，再加上几笔即可成枝，点上一些墨点即可成叶。

这完全是在“意”与“象”之间产生的一种艺术形象，中国水墨画的这种艺术表现形式体现出的完全是画家对客观事物的主观认识，同时有没有脱离客观物体的基本形状，即为“写意性”。

所谓“墨分五色”、“水墨为上”完全体现了中国绘画艺术的意象色彩观，水墨画不仅把物象繁杂的明暗关系主观化，而且还把丰富绚丽的色彩转换为“随类赋彩”的意象黑白。

中国水墨画自古以来就讲究“惜墨如金”、“计白当黑”，构图常常讲究留白，为了突出主体，省略其它东西，留出大片空白，这不能不说是中国画家的独到意象创作手法，以达到“意到笔不到”的妙境。

如南宋的马远、夏圭，人称“马一角”、“夏半边”，他们在章法上大胆取舍，描绘山之一角，水之一涯的局部，画面上留出大幅空白，给人以丰富的遐想。

中国画家的独到匠心不仅仅局限于章法上，画内景物的取材也往往不顾四季，仅凭兴致所为，可谓水墨山水的创始人之一的王维画花便时常不问四时，将桃杏芙蓉莲花等开放季节不同的花卉安排在同一副画面中。

他还曾在《袁安卧雪图》中把皑皑白雪和翠绿芭蕉并置，后人所言的“雪里芭蕉”也正是源自于此。

“‘雪里芭蕉’是画家的慧眼已不局限于具体的自然对象，而是经过自己的慧心重新感悟理解过的自然。

⑤其超乎寻常、别拘一格的创造性意象思维在这种“写意性”中得到了完全的外化。

中国工笔画的意象性则主要体现为它的装饰趣味，而装饰趣味又呈现在其绘画形式表现的各个方面：精练、富于韵律感的线条，平面化的构图处理，主观性的色彩和抽象化的造型。

线条本身就具有主观意象性，是人们为了达到造型、传神的目的按照自身的主观意愿对物象进行的概括提炼。

中国工笔画在线描运用方面，以线条的细密精到、连绵不断、悠缓自然表现客观物象的形神，已经达到了很高的艺术水准，富有很强的节奏感、韵律感和意象趣味。

平面化的构图是工笔画装饰性意象的主要表现方法。

“天人合一”、“心物统一”的传统哲学和美学思想，使得中国绘画在视觉上打破了时空的界限。

工笔画的构图追求画面整体的气韵贯通、均衡饱满，不完全依照客观对象的现实状态来表现。

它注重的不是如何去真实的再现客观现实，而是如何使客观现实来满足画面整体的需要，进而达到主观的意趣，由此便增强了画面的装饰趣味，也拓展了画面的意境。

无论是以不同的时空关系构成画面的散点透视法，还是以主人公为中心来组织画面的构图，亦或是无视现实空间物象的大小关系的图式，无一不是主观意识的产物，这就体现了“以意立象”的原则。

中国工笔画的色彩处理自由灵活，讲究主观化、单纯化的装饰性。

“中国画虽然是‘随类赋彩’，表现对象的固有色，但不是纯客观的自然主义的描绘，为了强调对象的特征，或为了画面的艺术效果和主题思想的表现，在适当的场合可以进行变色。

⑥这就表面传统的工笔画不象西洋绘画那样强调在光源的照射下色彩所呈现固有色、环境色、光源色，而是根据画家的需要，结合描绘对象，自由的进行色彩组合，目的不在写真，而是为了起到一种装饰美化的作用，其用色主观的成分远远多于客观的成分，色彩效果上的装饰性就显得特别强。

工笔重彩以强烈的色彩对比呈现出浓郁的民族个性的装饰趣味，工笔淡彩则呈现出清新、素雅、恬静的装饰趣味。

在造型方面，中国工笔画不完全受对象的约束，其中包含主观性的因素较多，对自然形象作出取舍和强化的，把意象性因素与特定的自然形象融合起来，从而达到更加理想化的意象造型。

这种经常趋于程式化的把主观情愫与自然形象相结合的艺术手法就更概括、巧妙的体现了工笔画的装饰性。

比如由于明代仍然主张“士女宜富秀色婑媠之态”，唐寅笔下都是丹凤眼、瓜子脸、柳叶眉、樱桃嘴的美人，清代两位著名的人物画家改琦和费丹旭所作的仕女画也是唐伯虎类型的美人，只不过更加单薄瘦弱，很具装饰性。

当然，无论是在人物画创作中，还是在山水花鸟画中，形象的程式化除了有很强的意象趣味性外也存在一些弊端，也即画家笔下的人物山峰花草树木个个雷同，缺少个性刻画。

这也是我们在继承中需要加以改善的地方。

但其对于类似形象的高度概括和提炼的优势仍然是我们要首肯并认真研究学习的。

四中国画意象形态的发展经过了漫长的历程，其独特的审美与表现方式对当代中国画的发展有着深刻的影响。

无论是工笔画还是水墨画从本质上讲都是意象性绘画，都与中国的哲学基础有着密切的关系。

对中国画意象特质的认知和把握，有助于我们更加清楚中国画的独特性和内在性，并从更完善的文化高度来全面认识中国画，体味中国画的精深博大，继而寻找具有时代新意的外部样式的切入点，最终促进当代中国画的健康发展。

中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。

由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。

意存笔九，画尽意在\"一语，出于唐代张彦远《历代名画记》．是他赞扬顾恺之的人物画所作的评语说明画者的意图，包括着主题的构思，形象的刻划，笔墨的运用，在动笔之光，已经都考虑成熟，这样在落笔时才可以脱颖而出，画作完了，画者精密而深透的意图在画上也永存下来了。

这句话还说明构思一经成熟，下笔后才能“意在笔先”，“不滞于手，不凝户心一”，\"画尽意在，象应神全。

“外师造化，中得心源”，这是唐代画家张躁关于画学的不朽名言。

《历代名画记》记载说：“初，毕庶子宏擅名于代，一见惊叹之，异其唯副县长秃笔，或以手摸绢素，因问躁所受。

躁曰：‘外师造化，中得心源。

毕宏于是阁笔。

“外师造化，中得心源”，这八个字概括了客观现象—艺术意象—艺术形象的全过程。

这就是说，艺术必须来自现实美，必须以现实美为源泉。

但是，这种现实美在成为艺术美之前，必须先经过画家主观情思的熔铸与再造。

必须是客观现实的形神与画家主观的情思有机统一了的东西。

作品所反映的客观现实必然带有画家主观情思的烙印。

张躁一句话扼要地道破了艺术形象形成的全部秘密，乃至传诵至今，历万古而犹新。

“外师造化，中得心源”，指出艺术家必须向生活学习，向社会学习，向自然学习，方能有与“山川神遇而迹化”的美妙感受，才能领悟艺术的真谛与精髓。

对于一个优秀的艺术家来说，读万卷书固然重要，行万里路却更为重要。

“画”这个词是一个概念，一是意识的抽象理解，一是具体形象的理解，某种具体艺术可以创作、改造、或毁掉，如中国山水画、花鸟画、人物画等等；作为艺术这个抽象概念则不能改造、毁掉。

艺术存在是永久的，它属文化层。

老子说：“颓然吴名，充遍万物”，“无状之状，无物之象”，老子还说夷（无色），希（无声），微（无形）三者不可致诘，实又存在。

具体的画是一种心技，“外师造化，中得心源”，“迁想妙得”。

画家落笔则有，放笔则无，瞬间即成，瞬间即逝。

从“画”这个角度看，成又非真成，逝又非真逝。

它无完形，永远逝胎儿；它无定数，永远是一。

又出于无，无存在有，画无画，于画者其所欲也，由画家自觉产生，自由把握。

画者其所欲也，心师造化二演万物，所谓“俯拾万物”，“从心所欲”，“万境由心造”。

由心造，有一个物质的转化过程，还受理事的、时代环境的、文化层次的、人的个性的约束，物质与精神两者的促进。

自古以来，中国画重临池、重游历、重学养、重继承。

所以“行万里路，读万卷书”这种画外功的重要可以说成于斯，败于斯。

历史在变化，事物在变化，知识要变化，人的思想要变化，形式和内容都在变化重，今人与古人对照显然有区别。

画没有固定不变的形象，画风无论时代、或一个具体的画家都有区别。

这种变化结果，虽然可以设想，单不可以断言。

是不以意志为转移的。

中国画有始有终，生生不息。

构成中国画的道，只要宇宙还存在它就同在，是不会消失的。

纵观美术史，远在张僧所画凹凸画、曹不兴画佛像到郎世宁时代，那时代不但情况产生了交流，而且有了一批知名的画家。

艾启蒙以中西画法融合，受影响的有冷枚、唐岱、陈枚、罗福昱等。

吴历晚年信奉耶稣教，有人说他的画参用西法，他反对如此说，他还有鄙视西画的意思。

他说：“我之画不求形似，不落窠臼，谓之神逸；彼全以阴阳向背窠臼上用功夫—用笔亦不相同”。

郎世宁虽然尽量吸收中国画写意，中国人不成人，外国人说背弃本源，使之进退维谷。

那时中西画没有合二为一，那种画法现在也没有确立传统继承，这是一个历史记载的事实。

反思中

如何评价国画

欣赏和评价以齐白石的“六法”为准。

国画的优劣的标准是南齐谢赫在《古画品录》中归纳的“六法”，这是千百年来被绘画界和书法界所公认的。

哪六法呢：“一曰气韵生动、二曰骨法用笔、三曰应物象形、四曰随类赋采、五曰经营位置、六曰传移模写”。

气韵兼力、格制俱老、变异合理、彩绘有泽、去来自然、师学舍短。

及粗卤求笔、僻涩求才、细小求力、狂怪求理、无墨求染、平画求长”这些中国画欣赏和评价的语义，理解了你就能理解国画的精髓。

如何学习花鸟画

学写意花鸟画要想入门：

首先，最好是先寻找书画基础培训班上上课

其次，学些基本笔法、墨法、水法、技法、技巧、用色、配色、立意、构图、章法、布局、款识，等基础知识。

第三，在掌握一定的技能后再学习一些特殊技法，如：加盐破墨法，加矾，加碱、加肥皂水，加洗涤灵、加一些可溶性材料等等的特殊效果方法。

第四，初学临摹时，先去画店或书店选一些你觉得最容易找到感觉的，最能和你产生共鸣的优秀范本画集，但不要过于繁琐，要简洁明快，用笔用墨大胆而又不失于法度的大家之作，作为你的摹本由浅入深，由简到繁，循序渐进，不断加深，逐渐递进。

第五，要想提高的快，最好多参加笔会，多结交画友，多结识书画家，结交书画高手，书画名家，书画行家，书画大家，书画大师，再多参观书画展览等等，相信不久的将来，你也一定成为书画行家和高手的。

第六，选择行家，专家，名家，大家，大师，拜师学艺，多加指导，点拨，提升，然后创作，继承中发展自己的个性、特性、创造性。

最后与之你早日学成，成功

怎样评价素描作品的价值

艺术本身是无价的，如果非要用金钱来衡量价值的话，我想。

在基础都相对扎实的情况下

作者的名气越大，价值就越大

恩，至少国内目前就是这样

如何学习花鸟画

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花鸟画传统学习方法是“临摹—写生（包括默写）—创作”。

如果您具有一定造型能力者，也可以从写生入手，熟悉写生对象后，再进行临摹和创作。

临摹是向传统学习，学习掌握前人的笔墨技巧和表现方法。

写生，是在千姿百态的大自然中培养观察和表现事物的能力。

最后，把积累的素材和自己对生活的感受结合起来，进行艺术创造。

到田野或花圃中去写生，（折枝的也可折枝回来在室内写生）选择好自己要画的对象，各种花卉或农作物。

首先从四面八方去仔细观察分析、比较、研究，认识它的生长规律和结构特征；其次选择你自已认为能够入画的部分，进行写生。

在画面上定好大置；以选择对象花和枝叶比较完整的部分，把要画的对象生动姿态，从整体去把握。

先把各部分的轮廓简单地很轻地用铅笔勾下来，然后从主要部分画起，即依实物距离视线最近最突出的地方画起（较细地刻划），渐次画到花叶和枝干轺画一朵花的时候，先简单勾出花的大体轮廓，然后即从这朵花最近最突出的花瓣画起，以这一瓣为标准，向里或向外，向左或向右，较仔细地勾完一朵花的轮廓。

当勾画局部时，要注意整体的姿态，比例，从整体着眼，从局部入手，（不必要描写繁琐的细节，注意抓特点）勾的方法，是用铅笔按照毛笔勾线的要领，有轻重地勾出对象的轮廓，不上光暗调子，仅凭铅笔勾线，能表达出物象的立体感以及花瓣、花叶、枝干的转折、凹凸、向背与各种不同的特征来，要求结构正确，形象生动。

在写生实践过程中，包括有选材、布局、提炼加工，大胆取舍与运用传统技法，并且能结合自己的体会感受，创造新的表现方法。

初学由简到繁，由浅入深，由不熟练到熟练，经过不断实践，有了丰富的经验，所作写生稿已经比较完整，可用水彩色照对象着色，以记录其色彩变化，为创作时参考。

为了参考研究，还需要画一些局部的花苞、花叶、花的正面、反面、花心以及枝干。

写生得来的稿本，即作为创作素材，再用墨笔就铅笔稿进行一次线描整理加工。

在勾线的时候，一方面要运用临摹所得的传统技法，一方面要根椐各种对象的不同特点，灵活运用，发展创造成，注意用笔的粗细、快慢、顿挫、转折、方圆、起伏、软硬、枯润及墨色的浓淡，塑造出具体形象和表达出对象的精神本质。

依照整理的稿本，画出正式作品，着色的叫“工笔勾勒写生”，不着色的叫“白描”。

写生素材积累越多，对于创作越有帮助。

简单的花卉蔬果可在室内进行，更重要的是到生活中去观察、感受、扩大胸襟，创作大幅构图。